“El síndrome Guerin”, o la absorción por el cineasta antiguo

Por María Zozaya

Varios espectadores han sido absorbidos por la intensidad de las películas de José Luis Guerín:

Hipnotizados por sombras de sus hojas que no caen; encandilados por sus reflejos a contraluz; entusiasmados por sus búsquedas de recuerdos difusos (1); aturdidos por las memorias de un pasado que aparecen como futuras (2); onubilados por sus técnicas antiguas que se convierten en revolucionariamente modernas cuando son traídas de la mano de este cineasta deconstructor (3).

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José Luis Guerin en el Ciclo de cine en Évora (Cinema Fora dos Leoes+ Coleção B). Foto: María Zozaya
El diagnóstico (en el sentido griego de la aptitud para conocer) del “Síndrome Guerin” revela un estado de euforia mental ante la sucesión de sus filmografías, y en especial ante el debate con el genio maquinador de sus negativos.

Se trata de una hipnosis permantente ante sus imágenes en blanco y negro, jalonadas por el sonido secuencial de las vías del tren en un viaje articulado con el giro de la moviola del cineasta. Sus inspiraciones en el azar y el sentimiento pasado consiguen que su apertura en el camino de la libertad haga volar al público entre los cielos de su filmografía. Su anclaje en la cultura clásica y del renacimiento remiten a un mundo de temas universales que consiguen convertir al espectador en uno más de los protagonistas silenciosos y casi ausentes de sus películas.

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José Luis Guerin debate en el Ciclo de cine en Évora (Iglesia de San Vicente). Foto: María Zozaya

Esos son algunos de los efectos provechosos de la presencia del barcelonés José Luis Guerin en Évora,

en el ciclo dedicado a su filmografía , donde los asistentes han tenido la fortuna de contar con el autor en varios debates, fuese en la desamortizada Iglesia de San Vicente, fuese en el Auditorio Soror Mariana.  Entre los muchos convidados, el día 16 de diciembre su mirada  hacia el celuloide estuvo cruzada con la de Susana de Sousa Dias, cineasta portuguesa con gran inspiración en la espontaneidad entrevistadora. Abordaron múltiples campos de la gestación y producción fílmica, de las improvisaciones y la guía esencial de los protagonistas que pasan a adueñarse de ese lienzo vacío que después retrata la pantalla.

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J.L. Guerin y S. Souza Dias en el debate sobre sus “leit motiv” en la Iglesia de San Vicente (Coleção B). Foto: María Zozaya.

A quien escribe estas líneas le interesaron en particular dos cuestiones. Primero, plantear las enseñanzas de sus experiencias entre la libertad intiutiva y el raciocinio educativo. Es decir, ahondar en el tema de cómo controlar las contradicciones nacidas entre la defensa de la libertad creativa y la necesidad de domarla, especialmente para acabar una película interminable ante los dictados de la inspiración, pero necesariamente finita por el cesarismo económico o los límites de un tiempo finito.

Segundo, en ese viaje psicológicamente iniciático surcado por el timón del autor sobre nuestras cabezas, produjo cierta fijación el plantear cómo se articulan las sombras de sus películas con sus miedos, si los supera al reflejarlos, y hasta qué punto la búsqueda de esas sombras, como las personas amadas en el pasado, se traduce en una búsqueda de uno mismo (que no necesariamente se ha de encontrar). Esas inquietudes son de nuevo reflejos de cómo los caminos abiertos por ese genio creativo en nuestra masa gris (sepia tras el efecto Guerin) son tan amplios como la dimensión de sus fotografías o filmografía en blanco y negro.

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Souza atenta a las preguntas en el debate con Guerín, Igreja Sao Vicente. Foto: María Zozaya
El ciclo de Guerin se ha prolongado del 5 al 19 de diciembre y ha sido organizado por varios motores del cine eborense,

Con sus tres jinetes del celuloide a la cabeza: Luis Ferro, José Manuel Martins y José Alberto Ferrerira, y sus respectivas instituciones (los Departamentos de Filosofia y de Artes Escénicas de la Universidad de Évora, el Cinema-fora-dos Leões y Colecção B).

El ciclo ha contado con un activo público que enriquece los debates, parte del cual quedó retratado en la galería de fotos, donde aparecen desde la Directora General de Cultura del Alentejo Ana Paula Amendoeira, hasta aquellos organizadores citados o los propios contertulios. En este sentido, el público asistente a las sesiones de Guerín representa esa masa crítica tan importante para mantener el fuerte nivel de algunos debates de Évora, donde los resultados intelectuales se miden por la calidad de los asistentes y no por su cantidad, en la línea positiva que ha venido caracterizando otras sesiones culturales en la ciudad (4).

Cartel anunciador del ciclo Guerin en el Cineclube de Évora.

Si bien los debates siempre son irrepetibles, seguidamente adjuntamos otras entrevistas de los citados autores. Primero, la trabada entre José Luis Guerín y Víctor Erice, en “La forntera de los géneros: duetos”, en el Congrés Internacional de Cinema Europeu Contemporani 2005.

A continuación, la entrevista a Susana de Sousa Dias, en las naves del Teatro Español, en el antiguo Matadero de Madrid, todo un referente simbólico para el tema tratado en  su documental “48” .

Referencias del texto:

(1) J. L. Guerin, Dans la Ville de Sylvia (84′) 2007.

(2) J. L. Guerin, En Construcción (125´)  2001.

(3)  Como queda patente en la realización de J. L. Guerin, La dama de Corinto. Asimismo, F. Calvo Serraller; A. Martínez Aguiar, La dama de Corinto de José Luis Guerin, Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente, 2011.

(4) Además de los ciclos de cine organizados por el cineclube se pueden referir otros ciclos culturales como  Meu Mundo nos Livros ,    Objetos com História Conversas sobre...

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Sugerencia de cita de esta reseña:

María Zozaya, “El Sìndrome Guerin, o la absorción por el cineasta antiguo”, TearTres (20-12-2016),  ISSN 2444-7374 .

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José Luis Guerin en el Ciclo de cine en Évora organizado por Cinema Fora dos Leoes con Coleção B, el Departamento de Filosofía y Departamento de Artes Escénicas de la Universidad de Évora. Foto: María Zozaya

Cena de arte y literatura

Por María Zozaya (CIDEHUS-UÉ)

Los alumnos de la escuela secundaria Manuel Ferreira Patricio están de enhorabuena artística.

Igual que todas las personas creativas que quieran asistir a este brain-nstormig cultural. Gracias a la iniciativa de Fernando Gameiro y Manuel Piçarra, van a poder disfrutar de un dinámico evento para promover sus habilidades y vocaciones. Pocas iniciativas pedagógicas se vinculan de esta manera a promover el encuentro entre los estudiantes con habilidades más sobresalientes no siempre reconocidas ni motivadas en un mundo más preocupado por las imperiosidades del capitalismo.

En un ambiente cultural distendido se mostrará una exposición y los alumnos conversarán sobre ella, luego se cenará con autores destacados que leerán sus poemas, hablarán de su música  o explicarán los secretos mejor guardados de las bibliotecas que dirigen. Los eternos estudiantes leerán poesías de sus tierras natales, como los sirios Nour Nasser, Ramez Dwite o María Zozaya, entre otros. Los alumnos portugueses entrecruzarán sus ideas artísticas con sus propios poemas y las conversaciones nacidas al pulso de las conferencias. Esta cena literaria es una forma de promover la excelencia y la calidad de la pedagogía vocacional, e incitar a ver el poderoso artractivo de la cultura para los alumnos con habilidades no siempre descubiertas en los programas educativos.

(ENG) ARTS & LITERATURE FOR DINNER

A complete evening with a dinner dedicated to interdisciplinary arts, for academics & pupils of Secondary School Gabriel Pereira to promote their vocational skills.

This event is a collage in a cultural ambiance, to promote brain-arts-storming, to show best pupils vocations, promoting their interventions, conversations, ideas & creativeness. This event mixtures the skills of the students with the knowledgement of the participants: poets, writers, musicians, Phd´s in History, library director & teachers. Looking for synergies with their imagination, skills and our knowledgement, in a multicultural collaboration context (Portuguese, Syrians, and Spanish).

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(PORT) JANTAR LITERÁRIO

Membros da Escola Secundaria Gabriel Pereira organizam um jantar para motivar a comunidade escolar a fomentar a leitura, a creatividade e mixturar a vocação artística nas Humanidades e Ciências.

Este evento multicultural (Literatura, poesia, musica) e transnacional (Portugal, Síria, Espanha) promove a participação dos alunos para motivar que projectem as suas habilidades nas suas áreas preferidas e favorecer a criatividade, como formas pedagógicas de motivar vocações para a aquisição e difusão do conhecimento.

Este evento terá lugar no dia 7 de dezembro, pelas 19:15, no pavilhão central da escola e conta já com a confirmada presença da Diretora da Biblioteca Pública de Évora Zelia Parreira e de dois escritores eborenses: António Henrique Conde e Manuel Silva-Terra.

Programa do Jantar literário

19.15 – Abertura do evento pelo Diretor do Agrupamento nº2 de Évora. Fernando Gameiro, Manuel Piçarra.

19.25 – Momento musical

19.30 – Apresentação de trabalhos de fotografia e poesia pela turma S1 do curso EFA da ESGP

19.50 – Apresentação do blogTurma 10ºF Literatura Escola Gabriel Pereira”

19.55 – Visita guiada à feira do livro (Sala de Leitura da BEGP)

20.15 – Jantar

20.40 –  Leitura de textos literários (momento aberto a todos os alunos da ESGP)

21.30 – Preleção pela Diretora da Biblioteca Pública de Évora, Zélia Pareira: a importância da leitura

22.00 – Apresentação de um livro pelo professor e escritor António Conde

22.30 – Apresentação de um livro pelo professor e escritor Manuel Silva Terra.

23.00 – Momento musical

23.10 – Preleção pelo Diretor da biblioteca da Escola Secundária Gabriel Pereira e Coordenador da Rede de Bibliotecas Escolares de Évora (RBEV)

23.20 – Encerramento

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Organizan:  turma de Literatura Portuguesa 10ºF e da Biblioteca da Esc. Sec. Gabriel Pereira. Fernando Gameiro, Manuel Piçarra; María Zozaya (parte HD) .

CorUÉ. El coro de la Universidad de las Eboríadas a las Shubertíadas.

Las Shubertíadas (“Shubertíade”) era un tipo de encuentro que se realizaba en el siglo XIX para conmemorar al gran compositor austriaco Franz Schubert (1797-1828),

uno de los más señalados del romanticismo temprano europeo. Dicho encuentro quería homenajear aquel prolífico músico que falleció con 32 años. Las Shubertiadas tuvieron lugar en sus primeros años en Viena, eran encuentros en espacios de sociabilidad privados, normalmente “soirées” en casas de las damas que recibían a la alta sociedad y a menudo congregaban a los propios compositores (1).

En Évora se retomó la idea de aquella conmemoración para reunir las Eboríadas Musicais, en título paralelo a Los Lusíadas de Camões.

La última eboríada fue coordinada por Pedro Nascimento y tuvo lugar en el Teatro Garcia de Rezende, uno de los mejores teatros a la italiana del Sur de Portugal. En él se reunieron diversos profesores, coralistas y profesionales de la música por la causa común de los diabéticos. Mostraron su versatilidad en los estilos de interpretación de la música de la Etapa Contemporánea al hacer un intenso recorrido que comenzó arrebatadoramente con el aria en que  la bella Norina lee una novela entre risas y ensueños, del pasaje de Don Pascuale (Donizzetti),  interpretada por In Pinto, quien volvió a mostrar su “brava” presencia cantando “La folia” de Rameau Platée, entre el mundo barroco y clásico.

Al piano fue interpretada con soltura graciosa -e incluso aire bufo de Mozart– una pieza compuesta por aquel en 1778. Igualmente, el Capricho número 15 del Luthier Luighi Legnani. Del siglo XX se tocaron varios pasajes, uno de los estudios de Aitor Villalobos compuesto entre 1924 y 1929; una de las músicas para concierto de Tedesco, de 1939 (quien compuso tanto para piezas teatrales de Shakespeare como para películas). El coro a capella “Be4Nine” interpretó sonidos clásicos del Samba Jazz en la línea de “Agua de Beber“, para terminar con otros históricos del soul como “I can See Clearly Now” (Johny Nash).

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Las Eboríadas fueron presentadas por el profesor Pedro Nascimento (Los Álamos), director del Coro de la Universidad de Évora (CorUÉ). Entre las intervenciones más destacadas de CorUÉ en 2016 pueden destacarse,

Primero, el homenaje al profesor Manuel Ferreira Patricio (en la imagen), quien dirigió el coro muchos años y le dio la estructura actual. Este coro portugués, en su vocación cosmopolita que le lleva a acoger a miembros de alemania, españa o grecia, interpretó un repertorio internacional con canciones brasileñas (Balaio), africanas (Aya Ngena), portuguesas (Haja o que houver), francesas (Tourdeon) o del gospel afroamericano (Wade in the water).

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La segunda actuación que merece señalar es aquella que destaca al coro en los actos universitarios, la del primero de Noviembre.

En este día, CorUÉ interpreta a cinco voces la famosa pieza de Johannes Brahms Gaudeamus Igitur, que hace un canto a la sabiduría, el intelecto y los profesores, que en este caso representan a la segunda universidad más antigua de Portugal, que data del siglo XVI y cuenta con el reconocimiento de la excelencia intelectual, desafío en el que insistieron los discursos de las autoridades científicas y ministeriales invitadas al evento. Acorde con esa loa al saber, la mayoría de las canciones escogidas por CorUÉ fueron del cancionero portugués de dicha centuria que trajo la universidad a esta ciudad histórica declarada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO hace 30 años.

Notas y créditos

(1) Christopher H. Gibbs. The life of Shubert, UK: Cambridge University Press, 2000.

Créditos de las imágenes de la entrada: María Zozaya.

Créditos de la foto de cabecera: Sociedade Harmonia Eborense, Évora años 20, fuente: Arquivo Fotográfico de Évora.

Créditos de la Galería de fotos a continuación: María Zozaya.

Fotos del Coro de la Universidad (CorUÉ) en el homenaje a Manuel Ferreira Patricio.

Galería de fotos  del homenaje a Manuel Ferrera Patricio

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Una barca para el infierno entre Évora y Coimbra. Gil Vicente, CENDREV & Escola da Noite

Por María Zozaya 

Cuenta la tradición que estando a las puertas de la muerte la mujer del rey don Manuel I, se representó para ella el Auto de la barca del infierno.

En su lecho en el palacio de estilo gótico flamígero que entonces albergaba la Corte en Évora, tuvo que enfrentarse a la crítica de la tiranía fiscalizada por el propio diablo. La obra, del Plauto Lusitano Gil Vicente (1), invitaba a la reflexión sobre cómo el espejo de la vida se tendría que reflejar en el río de la muerte, para saber si dirigir las almas al cielo o al infierno.

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José Russo (CENDREV). Foto: Paulo Nuno Silva

El juicio se desenvuelve en una escena donde se figuran dos barcos, el de la gloria comandado por un ángel, y el del infierno dirigido por satanás. Allí van pasando candidatos a quedarse en la primera barca; sin embargo, terminan en la segunda porque el diablo es buen conocedor de sus seguidores en la tierra. Éste, a mi juicio se presenta como el primer moralista, repartidor de justicia ante quienes quieren olvidar sus propios errores como “ignorantes pecatorum”. “Servir a satanás siempre te ayudó” -dice una de las interpelaciones- “!calla!, me cegó”, espeta el pecador intentando salvarse del fuego eterno. Con tales discursos van pasando, entre otros, la alcahueta, quien también quiere escapar hacia la nao pilotada por el ángel “a esta barca del fondo voy yo, que es más real”; sin embargo, luego se encontrará con sus amigos, supuestos representantes de la justicia, el corregidor y el procurador, que son enviados a los infiernos junto a los escribanos. Concordando con los prejuicios religiosos propios de la época, no podía faltar el estereotipo del judío, y más cuando la comunidad hebrea fue expulsada de Portugal por el propio Rey don Manuel I.

Haciendo una lectura desde la Historia Cultural, podemos interpretar cómo, a través de esos “tipos” se dibuja un mapa de la imaginería de la maldad y los oficios a los que se asociaba  en los reinos cristianos del siglo XVI.

Ese cuadro escénico queda completado cuando los únicos que llegan a la barca de la gloria son los cuatro caballeros cruzados que murieron por luchar por el cristianismo. Es probable que esa embarcación sea susceptible de múltiples interpretaciones culturales. Sólo haciendo una comparación con las naos más conocidas en la tradición cristiana, si esa barca fuera la de Noé, estaría recogiendo  a los animales que simbólicamente representaban los males en la época; mientras que en la tradición  paleocristiana de la barca de Caronte para cruzar la laguna estigia, sólo llegarían los caballeros previo pago de su óbolo.

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Igor Lebreaud, Jorge Baião, Miguel Magallães, José Russo. Foto: Paulo Nuno Silva

En este caso, la representación de dichos naúfragos de la vida viene de la mano de la magnífica conjunción de A Escola da Noite de Coimbra (ENC) junto con la compañía residente en el Teatro Garcia de Rezende en Évora, el CENDREV. José Russo toma una parte esencial con una estética perfectamente grotesca del diablo. Jorge Baião encarna diversos papeles categorizadores de los vividores cantantes del Tourdion, ambos en una estética de los cómicos de la legua (2) que ya han cultivado en piezas como “Ñaque” de Sanchís Sinisterra. Igor Lebreaud representa varias figuras del mal, sea encarnando la cobardía  que ni puede esconder su diabólico rabo, sea con la injusticia jerárquica que comanda, ejemplificada con el latín que habla (3). Entre el elenco de actores se cuentan Miguel Magalhães, situando las escenas o haciendo piraterías; el ángel Rosário Gonzága; la representación del judío ydel “onzeneiro” Rui Nuno, que también presta su voz a la marioneta del ahorcado; la alcahueta Ana Meira y Maria Joao Robalo, que consiguen dar vida a los siete pecados capitales.

Entre otros  aciertos de la representación se cuenta la escenografía (João Mendes Ribeiro), con las escaleras hacia el anhelado cielo que representan los mástiles de los barcos, así como el emplear diversos muñecos y marionetas (Ana Rosa Assunçao), haciendo referencias -incluso con las rejas que inicialmente separan el escenario- a la tradición marionetista de Évora, y concretamente de los “bonecos do santo Aleixo” (3).

A Escola da Noite y el CENDREV consiguen revivir el espíritu del considerado fundador del teatro portugués Gil Vicente. Van a representar a “Embarcação do inferno” en Évora hasta el 30 de octubre y desde entonces en Coimbra (TCSB), pieza moral sacramental que componía trilogía con el “Auto de la barca de la gloria” y “El auto de de la nave del Purgatorio” (4). En el caso del teatro español, cabe mencionar que los revividores de esa tradición dramática de Gil Vicente también vinculado al teatro castellano han sido principalmente las hermanas Zamora con la compañía Nao de Amores,  con la propia tragicomedia que les da el nombre y precisamente la están representando en Almada hasta el 13 de noviembre.

Notas:

(1) Datada entre 1517, según recoge Cayetano de la Barrera, Catálogo biográfico y bibliográfico del Teatro Antiguo Español,  London, Tamesis books, (1a ed., Madrid, 1860), pp. 475-476. Las dataciones de su propia vida oscilan, nosotros recogemos el nacimiento aproximado en 1475 y la muerte en 1557 que aporta la citada obra de Barrera  (p. 475), y las fechas de 1465 y 1536 que ofrece la Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes.

(2) Sobre los cómicos de la legua: María Zozaya, “Ocio Liberado. El ocio en España durante el siglo XIX”, en: El descubrimiento del Ocio. Guipúzcoa, Diputación Foral: Museo Zumalacárregui, pp. 33-65.

(3) Están muy bien escogidas precisamente por la dureza de aquellas marionetas cuando llegaban a las ciudades: María Zozaya, “Ocio Amurallado? El paso de la sociabilidad local al mundo asociativo internacional” Bidebarrieta 25, 2014, pp. 7-9.

(4) Las tres piezas, así como los personajes que aquí son reseñados bajo nuestra óptica aparecen completas en: Bárbara MujicaA New Anthology of Early Modern Spanish Theater, Yale, Georgetown University Press, 2014, pp. 29 y ss.

Sugerencia de cita de esta reseña:

María Zozaya, “Una barca para el infierno en Évora. Gil Vicente, la Escola da Noite y el CENDREV”, TearTres,  30-10-2016, ISSN 2444-7374.

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Encontrar los “Trabajos de amor perdidos” de Shakespeare

Por María Zozaya

La elocuencia de Shakespeare repica en los ecos de la risa conseguida con la comedia Trabajos de amor perdidos.

Recientemente ha sido rescatada por la Fundación Siglo de Oro junto con el prestigioso Globe Theatre, y realiza una propuesta inmejorable dirigida por Rodrigo Arribas junto con Tim Hoare, y adaptada porJosé Padilla.  En dicha comedia, la locuacidad de los escritos del bardo se entrega a un tema que afecta a los corazones del común de los humanos.

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Imagen: Portada de la comedia Love´s Labour´s Lost, edición de 1598. Biblioteca  Folguer de Shakespeare.

El texto se centra en el ángel de los ojos vendados, que se contempla como el enemigo de la razón: ese enano gigante que es cupido, ese pequeño cuyas flechas son más fuertes que la maza de Hércules, y cuyas acciones consiguen seducir al más inteligente de la forma más estúpida… para ofuscar incluso a quien se autoconsideraba el mismísimo azote del amor.
Shakespeare eleva a las tablas el bloqueo que produce el amor ciego, que impide hablar incluso a la lengua más viperina, o que permite en los espíritus menos despiertos apenas pronunciar una estúpida fábula que lleve a la mofa común. El texto refleja aquel asalto incomprensible que impide pedir a la persona que te ha robado el corazón que te lo devuelva.

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El rey de Francia y sus caballeros deciden afrontar su amor. Imagen: Pentación, Iñaqui Zaldúa.

El argumento se centra en el encuentro entre el rey de Navarra y sus seguidores cuando intentaban confinarse al estudio en Palacio, lejos de las mujeres y los placeres mundanos. La empresa va a ser imposible ante la llegada de la princesa de Francia con su séquito, por todos los sentimientos que genera en contra de la voluntad de aquellos pretendientes a sabios.

La trama puede describirse mediante el conflicto que genera para la razón el encontronazo con la pasión y el sentimiento, que pretende transformar al amor en un insensato incomprensible cuando se antepone a la palabra jurada.

Sin embargo, la obra desvela cómo razón y pasión van unidas, pues la sabiduría que alimenta a la razón nace del amor, por convertirse en su fuente de inspiración más intensa. El texto refleja continuamente la elocuencia de Shakespeare, donde el propio ingenio del autor y la claridad de la trama se demuestran en la rapidez con que fluye la obra, en esta acertada versión de la Fundación Siglo de Oro. La dramaturgia está perfectamente entibada entre cajas y bambalinas, compuestas incluso con la ayuda de otros textos, con cuyos  añadidos consigue ofrecer un hilarante retablo de las maravillas que harán reír al más circunspecto.

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La reina de Francia con sus acompañantes. Imagen: Pentación, Iñaqui Zaldúa.

La presente puesta en escena otorga gran importancia al lenguaje -cuales puristas del Siglo de Oro-, tanto por actualizarlo con sus debidas cautelas, como por cuadrar hasta las incorrecciones del lenguaje. Entre otras escenas de humor que se suceden en el campo abierto de las aventuras de la obra, la compañía consigue provocar la risa con algunos fallos lingüísticos que lamentablemente son comunes en la actualidad; y que con la ligereza que se sueltan en los medios incluso harían levantarse al propio bardo de su tumba junto al mismísimo Cervantes, por lo que su crítica al mal uso del lenguaje actual se convierte en otro más de sus múltiples aciertos.

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Costra pide clemencia. Imagen: Pentación.

Los actores construyen un engranaje dramatúrgico perfectamente sincronizado entre los austeros pilares de la escenografía, donde consiguen bailar en conjunto durante toda la obra, sea en el estilo más clásico planteado de la puesta en escena, sea rompiendo la cuarta pared con diversos guiños que permiten acercarse más al espectador. Entre la genialidad del elenco hay que destacar la vis cómica de Pablo Vázquez en el papel del bufón shakesperiano (Costra), la humorosa seriedad de Javier Collado (Berowne), la ingenua torpeza de un rey enamorado interpretada por Julio Hidalgo (Rey Enrique), la jocosidad gestual que roza el humor absurdo de José Ramón Iglesias (Longaville), o la grandiosa necedad del alguacil de Navarra que consigue interpretar Jesús Fuente (Armado)… Papeles más cómicos de una representación donde todos los actores y actrices encajan fabulosamente cada frase dictada por el bardo, desde Alejandra Mayo (Rosalina), José Luis Patiño (Boyet), Jorge Gurpegui o Jesús Teyssiere (Mota), Sergio Moral (Dumaine), Alicia Garau (princesa de Francia), Montse Díez o Raquel Nogueira… hasta los propios patos que consiguen caer asincopados de la mano de Pablo Porcel.

La Fundación Siglo de Oro representa esta magnífica versión del Love´s Labour´s Lost en el Teatro Alcázar Cofidís hasta el día 10 (con sesión golfa inclusive a las 22 horas), para después salir de gira por España. Recomendamos ver, seguir, buscar y encontrar estos Trabajos de amor perdidos a todos los amantes de los textos del bardo de Stradford-upon-avon.

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Nota de la autora: las frases que están escritas en el presente texto castellano en cursiva son adaptaciones nuestras de frases de Shakespeare, en la versión que de dicha obra realiza la Fundación del Siglo de Oro.

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Sugerencia de cita: María Zozaya, Encontrar los “Trabajos de amor perdidos” de Shakespeare, en: TearTres, https://teartres.wordpress.com/  ISSN 2444-7374.

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Deconstruir una ópera. La Flauta Mágica de la Komische Oper

Por María Zozaya

La nueva versión de la flauta mágica de la Komische Oper alemana ha creado un lenguaje ajeno al campo operístico. Es como una opereta reconvertida al juguete estroboscópico.

Praxinoscópio. Grabación de María Zozaya.

Parece una pieza musical deconstruida por los efectos del cine. En esa deconstrucción, esta singspiel de 1791 de Motzart es como si entrase en la máquina del tiempo y saliese en el momento de la creación del cinetoscopio en la década de 1890 (1).

En ese viaje temporal del siglo XX, dicha ópera experimenta una evolución paralela a la historia del cine.

Esto es, comienza por las escenas cómicas de un Harold Lloyd que a mi juicio representa a Papageno, sigue por las mudas un Buster Keaton que encarna Pamino, pasa por la plasmación femenina de las tres gracias en los alegres años 20, y sigue por el cine expresionista de Nosferatu en la figura del malvado guardián Monostatos. Conforme nos acercamos al clímax de la pieza, la fantasía se posa sobre los elefantes voladores del Disney originario, para explotar con el boom del tebeo y la expresión del comic cuando la trama está cerca de desenvolverse.

Ese es mi modo de contemplar la propuesta de La flauta mágica por la compañía de la ópera cómica alemana, en la versión que ha sido reescrita recientemente. Aquella opereta cantada y hablada (el singspiel más famoso) fue compuesta por Motzart en un momento  de particular crisis económica e individual, por sus inestabilidades acaso consustanciales a su vivificante personalidad. Ha sido representada recientemente en el Teatro Real de Madrid consiguiendo un gran éxito siguiendo la propuesta de Barrie Koskie. Sin embargo, no es una ópera al uso.

Foto: Komische Oper. Magic Flute. Andy Phillipson.

A mi juicio, varios lenguajes parecen haber reestructurado esta ópera.

La nueva propuesta relega los recursos teatrales de la gestualidad y los movimientos en el escenario, que quedan reducidos a la dimensión de la gran pantalla. Puede decirse que el lenguaje escénico ha sido reconstruido para ser reflejado  en dos dimensiones. El espacio de los cantantes queda reducido al mínimo tamaño de una tesela donde un madrileño bailaría el chotis en una zarzuela, pero sin dar vuelta ninguna porque, en este caso, del movimiento de piernas se encarga el medio fílmico. Vemos en pantalla a personajes detenidos por los movimientos asincopados de la cinta, atrapados por el blanco y negro de los fogonazos Pathé o el cine coloreado de los Lumiére (2).

Foto: Komische Oper. Magic Flute.

También los lenguajes sonoros han sido modificados.

Sus partituras han sido retocadas con piano forte para simular la animación del cine primigenio, en un momento que parece sustituir las partes habladas de la ópera (3), escritas sobre la pantalla a modo de leyenda imitando las cartelas del cine mudo. Asimismo, gana una nueva dimensión el papel del silencio, paradójicamente en esta ópera donde el libreto de Emanuel Schikaneder (4) hablaba de él de varias formas.

Foto: Teatro Real de Madrid. Barrie Kosky Production.
Foto: Teatro Real de Madrid. Barrie Kosky Production.

Por último, el lenguaje simbólico de la masonería también ha sido bastante transformado, a mi juicio.

La Flauta Mágica, además de ser una de las fantasías más aplaudidas, también es de las operetas más comentadas por su deliberada vinculación masónica. Más allá del mito que tanto atrae a profanos (5), varios elementos siguen remitiendo a la presencia simbólica de aquella Orden. Por ejemplo, la prueba del templo, la experiencia y riesgo de la muerte que llevan a descubrir el verdadero valor de la vida en el amor. Asimismo, la necesidad del saber, de la luz, y de los illuminati que buscan el fin de las tinieblas acabando con la superstición. La oscuridad, representada de un modo paradójico y alternado, donde todo mal encierra bien en la Reina de la noche y viceversa en Zoroastro. Los códigos simbólicos principales de la masonería siguen presentes, como los tres muchachos fraternales, las tres vigías de la reina de la noche, o el ajedrezado masónico (que ahora se traslada al dormitorio de la bella Tamina), pero en un cambio de expresión que parece cambiar el sentido último de esta ópera (6).

Foto: Komische Oper. Magic Flute.

Su mensaje sigue anclado en esos valores perseguidos por los poderes absolutistas del 1790, defendidos y divulgados en esa época gracias a la masonería (7).

A mi juicio son principalmente la exaltación de los valores de la libertad y la fraternidad, de la lealtad (las virtudes  de la discreción y el respeto por los pactos que generan obligaciones), y especialmente de la tríada de las virtudes de la sabiduría –fuerza –belleza, gran tríada masónica inspirada ya desde el movimiento generado por el platonismo.

Hasta el momento has leído una de las facetas artísticas e históricas desde la perspectiva de quien escribe estas líneas. Si quieres informarte de más cuestiones, sobre la entrada de Mozart en la logia y otras relaciones concretas con la masonería o la ópera de la época, recomendamos ver el siguiente vídeo o ampliar con la bibliografía de las notas al pie de página:

José Luis Tellez en su conferencia sobre la nueva ópera. Fuente: Teatro Real.

 

Notas:

  • (1) Sobre la historia de los comienzos del cine véase: María Zozaya, “Ocio Liberado. El ocio en España durante el siglo XIX”. En: El descubrimiento del Ocio. Guipúzcoa, Diputación Foral: Museo Zumalacárregui. ISBN: 978-84-612-7684-H; pp. 33-65.
  • (2) Sobre la historia del cinematógrafo desde el cine y el tratamiento de la imagen véase: Mark Cousins, The Story of Film. An Odissey, 2011.

  • (3) “La Flauta Mágica”, Teatro Real 26, Dic. 2015-Feb. 2016, pp. 6-7. (Mis agradecimientos a la Asociaciçâo Cultural Coleçao B por programar este film en Évora y convidar a todos los ciudadanos a verla)

  • (4) Sobre el autor: “Emanuel-Schikaneder“, in: Enciclopaedia Britanica. http://www.britannica.com/biography/Emanuel-Schikaneder. Asimismo: Andrés Ruiz Tarazona, “Un cómico llamado Schikaneder”, 1 Festival Mozart, Madrid, Teatro Albéniz, 1988; pp. 26-28.

  • (5) María Zozaya, “Historia de la Masonería Española: La masonería hispano-lusa y americana. De los absolutismos a las democracias (1815-2015)”, REHMLAC+, ISSN 1659-4223, Vol. 7, no. 2, Diciembre 2015 -Abril 2016, pp. 347-385.

  • (6) Sobre la flauta Mágica como singspiele o singspiel: : José L. Téllez, Enrique Martínez Mihura y VVA, 1 Festival Mozart, Madrid, Teatro Albéniz, 1988; pp. 22-25.

  • (7) La evolución cultural del imaginario de la masonería en: María Zozaya, “El techo de la perfección. Las pinturas del Ateneo de Arturo Mélida”. En: Las Estrellas del Ateneo. Madrid: Ateneo, Ministerio de la Presidencia, 2010, pp 43-92. ISBN:978-84-936415-6-6.

Sugerencia de cita de esta entrada:  

María Zozaya: “Deconstruir una ópera. La flauta mágica de la Komische Oper”, Teartres: teatro y artes contemporáneas, ISSN 2444-7374 [ https://teartres.wordpress.com/, 9/02/2016]

 

Cultura y turismo en Coimbra. Visitando el Teatro da Cerca de São Bernardo.

Texto e imágenes de Leonor Zozaya

La ciudad de Coimbra siempre ofrece una rica oferta cultural. Convocatorias constantes, ora gratuitas ora de pago, merecen la atención del conterráneo y del forastero. El camino hacia las propuestas culturales se ve embellecido por una antigua arquitectura urbana singular, que siempre depara sorpresas agradables. Incluso las partes más recónditas de la urbe son deliciosas, aunque puedan quedar a trasmano del circuito turístico.

Vayamos por ejemplo paseando a la zona de la Cerca de San Bernardo. IMG_20141219_003018Imaginemos que nos adentramos por un arco (imagen izquierda) que da acceso al Pátio da Inquisição (imagen inferior derecha). Entre las múltiples columnas de los laterales, hay una puerta escondida que lleva al Centro de Artes Visuais (CAV), donde pueden visitarse exposiciones gratuitas periódicas.

Quien no sea entusiasta de ese tipo de expresiones contemporáneasIMG_20141219_003411, siempre puede deleitarse con la sencilla admiración del interior del edificio histórico.

Imaginemos que después subimos la mirada hacia la antigua Casa dos Pobres, anunciada por unos azulejos en la cima de la escalinata (imagen inferior izquierda). Alzamos sólo la vista; demasiado andar, no subimos.IMG_20141219_005817
La dejamos de lado.

Seguimos. Pasamos por un arco que taladra  atravesando el muro y accedemos a un espacio transitorio, misterioso, abovedado, que descubre una excavación arqueológica inconclusa. Se desvela así un antiguo recinto, posiblemente coetáneo al del Pátio da Inquisição, a juzgar por el estilo arquitectónico de las volutas de las columnas.

Después, saliendo de nuevo a cielo abierto, se divisa una enorme chimenea industrial un tanto arcaica. IMG_20141219_004526Ya casi hemos llegado. La chimenea está junto a un edificio moderno: ese es el Teatro da Cerca de São Bernardo (TSBC), donde vamos a detenernos. No obstante, van a tener que imaginarse el gran edificio amarillento rectangular que están viendo mis ojos, porque la foto se me ha traspapelado por el limbo del ciberespacio conimbricense.

En el Teatro da Cerca de São Bernardo (TSBC) se reúne la compañía residente de la ciudad, A Escola da Noite (AEdN). Sus actuaciones abarcan un amplio espectro de obras de los más diversos estilos y épocas. Baste mencionar el Auto dos Físicos del clásico Gil Vicente*, o Da Sensação de Elasticidade Quando se Marcha Sobre Cadáveres, de Matei Visniec, el dramaturgo contemporáneo franco rumano. Por cierto, estos días se representa A Canoa, una exitosa obra donde el autor gallego Cándido Pazó aborda el tema del maltrato desde una perspectiva muy original.

A esa proyección internacional de autores se suma el hecho de que el TSBC también acostumbra a hospedar representaciones de otras compañías. Asimismo, incluye proyectos diversos, como los destinados la inclusión de personas con algún tipo de estigma. En ese sentido, se representó, por ejemplo, la História do Soldado, de Stravinsky*.

Además, el TSBC acoge ciclos de cine gratuitos en el bar, donde se proyectan películas de diversas nacionalidades*. En dicho ambigú también se realizan lecturas dramatizadas*, de la mano del Club de Lectura Teatral (asimismo de la AEdN), que, entre otras obras, interpretó verbalmente la obra de Howard Baker titulada (Tio) Vania *, en el ciclo dedicado a Chéjov.

Téngase en cuenta que las manifestaciones culturales de la ciudad gozan de numerosas ventajas, entre las que se halla la gratuidad. Los asteriscos* con que he ido marcando el texto indican algunas de las actividades de entrada libre al teatro[1]. En resumen, todo son ventajas para darse un paseo por la zona. Ahora le corresponde al espectador venir a sacar las fotos que faltan, pues a mí se me ha acabado el carrete.

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[1] El auto de Gil Vicente tuvo tanto representaciones de pago como al menos una gratuita en el TCSB en 2015.

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Sugerencia para citar este artículo:

Leonor Zozaya (2016): “Cultura y turismo en Coimbra. Visitando el Teatro da Cerca de São Bernardo“, en M. Zozaya: Teartres: teatro y artes contemporáneas [documento en línea, https://teartres.wordpress.com/ , consultado el 31/01/2016]

Comedia Ligera. “Uma menina bem guardada”

Por María Zozaya

Con el epígrage de “comedia ligera”  se anuncia una obra de hondo alcance histórico, representada con luces de bambalinas y escenario pintado por la compañía de Serpa Baal 17. 

"Uma menina bem guardada" (E. Labiche), representación por Baal 17 (Évora). Foto: María Zozaya
Los criados se preparan para salir de fiesta. “Uma menina bem guardada” (E. Labiche) ,  Baal 17. Foto: María Zozaya.

 

 

Se trata del vodevil escrito a mediados del siglo XIX por el autor francés Eugéne Labiche “La fille bien gardée“.

La niña a buen recaudo* es la hija de la condesa de los Andares pijos**, quien se queda en manos de los criados cuando la condesa va a una soirée. Los criados sólo piensan en dejar a la niña sola durmiendo para irse a las fiestas del barrio; fiestas a las cuales, para su sorpresa, la niña también se prepara para ir.

"Uma menina bem guardada" (E. Labiche), representación por Baal 17 (Évora). Foto: María Zozaya“Uma menina bem guardada” .  (E. Labiche), representación por Baal 17 (Évora). Foto: María Zozaya.

En un plano histórico social, al hilo de la comedia aparentemente amable se muestran las relaciones de conflicto simulado entre amo y criado.

Se reflejan sus engaños -que conocen los hijos-, el material sisado (como las pinturas de la toilette), la parte de las botellas que se beben y otras infracciones que tenían lugar cuando no estaban los señores en casa. Asimismo, refleja las propinas y gratificaciones que interpreto en mis estudios sobre criados como formas de generar la dependencia entre amo y criado y de generar vínculos difusos sin normas establecidas (que tal vez por ello los criados iban a traspasar).

"Uma menina bem guardada" (E. Labiche), representación por Baal 17 (Évora). Foto: María Zozaya
La niña para jugar a comprar sombreros hace al criado personificar a mujer (que era lo último que se podía pedir en el siglo XIX a un hombre conforme a los criterios de la masculinidad). “Uma menina bem guardada” (E. Labiche), representación por Baal 17 (Évora). Foto: María Zozaya
La pieza también muestra los caprichos y el snobisno de la nobleza del siglo XIX.

Los nuevos ricos especialmente intentaban incorporar cualquier novedad a sus salones, por mala que fuese, y buscando el criterio de la distinción social arruinaban su capital cultural. Así sucede en la pieza con la macarena final, uno de los ritmos de la canción de fin de fiesta que habla del obrero y la taberna. A mi juicio, la letra de esa composición estaba reflejando el intento de control de la burguesía intelectual de las actitudes de las clases populares***, que procuraba alejarla de la taberna dentro de las preocupaciones de la cuestión social, muchas de las cuales se canalizaban a través del tiempo de ocio.

La niña se viste para salir, con los criados atónitos deseando ir al baile. "Uma menina bem guardada" (E. Labiche), representación por Baal 17 (Évora). Foto: María Zozaya
La niña se viste para salir, con los criados atónitos deseando escaparse al baile. “Uma menina bem guardada” (E. Labiche), representación por Baal 17 (Évora). Foto: María Zozaya
La acertada gestualidad de la compañía Baal 17, los silencios llenos de muecas, los dobles sentidos, los giños al público, hacen que este espectáculo al más puro siglo XIX cobre gran relevancia histórica.

En esa línea, sería ideal que revivieran otras piezas inéditas como El gato rojo, escrita  para la Sociedade Harmonia Eborense en el 1902, representada hasta 1910, y dramatizada por quien escribe estas páginas en el 2014. En este caso es otra pieza bien guardada, “O gato vermelho”, obra inédita escrita por Maltéz y Pico en el 1900, custodiada en el Arquivo Distrital de Évora.

"Uma menina bem guardada" (E. Labiche), representación por Baal 17 (Évora). Foto: María Zozaya
La niña les “convence” para salir, los criados no tienen otra opción y oyen al fondo la música del baile. “Uma menina bem guardada” (E. Labiche), representación por Baal 17 (Évora). Foto: María Zozaya

 

"Uma menina bem guardada" (E. Labiche), representación por Baal 17 (Évora). Foto: María Zozaya
Deciden ir al baile, compinchados todos y la niña toda pinturrajeada. “Uma menina bem guardada” (E. Labiche), representación por Baal 17 (Évora). Foto: María Zozaya

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Recomendadísima pieza en excelente representación por la compañía portuguesa de Serpa Baal 17, “una menina bem guardada”, cuya recreación histórica es digna de mención, de este texto francés adaptado por Christine Zurbach.

"Uma menina bem guardada" (E. Labiche), representación por Baal 17 (Évora). Foto: María Zozaya
Después del baile aparece la niña con el soldado… “Uma menina bem guardada” (E. Labiche), representación por Baal 17 (Évora). Foto: María Zozaya

 

Asimismo, la excelente interpretación de los actores: Anabela Mira, Filipe Seixas, Hugo Fernandes, Susana Gonçalves e Telma Saião

Escena: Rui Ramos. Escenografía y figurinos: Bruno Guerra

"Uma menina bem guardada" (E. Labiche), representación por Baal 17 (Évora). Foto: María ZozayaAl final de la noche, todos se encuentran…. y hay un final feliz en donde los señores no se enteran bien de lo que ha sucedido. “Uma menina bem guardada” (E. Labiche), representación por Baal 17 (Évora). Foto: María Zozaya

*Notas:

** No he logrado encontrar la información de si existe traducción de la pieza al castellano, por lo que la adaptación de las palabras españolas es propia.

*** Las bases de esta interpretación histórica en: María Zozaya, “Ocio Liberado. El ocio en España durante el siglo XIX”, El descubrimiento del Ocio. Guipúzoa, Museo Zumalacárregui 2008.

“El descubrimiento del ocio”

Mi mundo en los libros. El mundo en los libros de Taibo

Por María Zozaya

El acto de la lectura ha sido a menudo comparado con un viaje, un viaje al cual podemos ir a través del mágico espacio de unas páginas. Una aventura que a menudo da comienzo cuando se abre el libro de cabecera de cama y se emprende verdaderamente cuando se apaga la luz de la mesilla.

Las lecturas nos forman, nos enseñan y nos modelan; constituyen  una parte muy importante de la cultura en el mundo europeo occidental. “Mi mundo en los libros” es un ciclo de conferencias  para abordar tales cuestiones subjetivas pero esenciales en la conformación de una persona. Para ello, se propone a personajes con destacada trayectoria pública que muestren qué libros les han marcado y porqué. Libros que leyeron tanto en la faceta formativa pública como en su vida privada, libros que les han podido influenciar por los múltiples motivos que expondrán o simplemente, ni ha de mencionarlos si no quieren. Muchas palabras se necesitarían para explicar porqué un autor es tu poeta o escritor favorito, y a la par, basta ninguna. No hay necesidad de explicarlo, pero si se quiere -y se puede-, se puede comentar cuál fue el acierto de aquel autor que te abrió una puerta en tu vida y dejó un camino trazado para siempre. A la par, hay que tener en cuenta que los libros que nos han marcado pueden ser unos y otros en diversas etapas de nuestra vida. Son todos los que están, pero no necesariamente tienen que estar todos los que son. Esto es, el autor conferenciante puede hablar de los que quiera y como quiera. Es un viaje completamente subjetivo donde el pathos sale a la palestra.

carlosTaiboEvora19Marzo

En el último conferenciante convidado, Carlos Taibo, casi podría trazar su recorrido vital de madurez con sus libros, en este caso, con los libros de que es autor (de ahí la ambivalencia del título que encabeza esta entrada). Cuenta con más de una treintena de obras publicadas, la mayoría sobre temas que han puesto en condiciones críticas al poder establecido. Se trata de un pensador de ideario anarquista de gran capacidad crítica y analítica, que plantea problemas de hondo calado en la esfera pública actual.

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Puede decirse que Carlos Taibo se ha criado en los mayos de los sesenta y ochos europeos. Con una trayectoria vinculada al mundo universitario desde la Ciencia Política, está completamente involucrado en el intento de cambio social a partir del poder de la palabra. Ha desempeñado una trayectoria muy vinculada a la crítica de los excesos e injusticias de la realidad social que le rodea. Este pensador contemporáneo cuenta en su haber con decenas de libros dedicados al análisis de la denominada Historia Actual. Se ha especializado en los conflictos del Este Europeo (Europa central y oriental) y en los problemas nacidos de las desigualdades de la democracia y sus representantes. Entre ellos, destaca su posicionamiento en el movimiento de contestación del 15M, que nació de la ciudadanía indignada ante el descalabro político y económico causado por la errada gestión de quienes gobiernan, y cuya protesta pacífica desde Madrid consiguió movilizar al mundo. En el plano ibérico, entre las múltiples publicaciones de Taibo en la editorial Catarata se cuenta Comprender Portugal; tiene varios libros en torno a Fernando Pessoa y otros sobre la lengua gallega y la portuguesa.

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Carlos Taibo en la conferencia “O meu mundo nos livros”, CES, Universidad de Évora, 19-V-2015. Foto: María Zozaya

    Carlos Taibo (Madrid, 1958) es profesor de Ciencia Política en la Universidad Autónoma de Madrid y compendia en su web Nuevo Desorden muchos de sus pensamientos. En el mes de mayo va a dar un ciclo de conferencias en Portugal. Los días 19 y 20 de mayo va a estar en Évora: en la Universidad Histórica (Colegio Espíritu Santo), y la Librería Fonte das Letras. Mi mundo en los Libros tendrá lugar el día 19 a las 19 horas en la antigua Sala del Gobierno Civil. Constará aproximadamente de 45 minutos de conferencia y otros 45 de debate.

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Carlos Taibo y su presentador Silverio Rocha en la conferencia “El decrecimiento”, CES, Universidad de Évora, 19-V-2015. Foto: María Zozaya

Mi mundo en los libros un ciclo de conferencias ideado por María Zozaya y que para desarrollarlo ha contado con el apoyo institucional del CIDEHUS y la Biblioteca de la Universidad de Évora, y cuenta en su coordinación con Maria Ana Bernardo, Sara Marques Pereira y Madalena Vaz Freire). Estas conferencias han contado con el alcalde de Évora, Carlos Pinto de Saa, por su política de reforma en el panorama alentejano; y con Juan Zozaya Stabel-Hansen, por su dinamizacion de la arqueología medieval islámica en España y Portugal.

Carlos Taibo y Silverio Rocha en la conferencia sobre el Decrecimiento, CES, Universidad de Évora, 19-V-2015. Foto: María Zozaya
Carlos Taibo y Silverio Rocha en la conferencia sobre el Decrecimiento, CES, Universidad de Évora, 19-V-2015. Foto: María Zozaya

Recuerdos del 25 de abril en Portugal. Rui Pato y la canción protesta. #TalDiaComoHoy

Por Leonor Zozaya

Imagen 1. Fuente: http://www.elconfidencial.com

El otro día me hicieron un regalo que me gustaría compartir de alguna forma, aunque sólo sea con los fragmentos que pueda recomponer mi vaga memoria, arrepentida de no haber tomado notas de las interesantes historias que tuve la suerte de escuchar, contadas de viva voz por el médico y músico portugués Rui Pato, sobre la crisis académica (1969) y la Revolución de los Claveles (1974) de Portugal. Desgraciadamente no puedo transmitir qué placer sentía al oír a esa persona tan especial, pues esa vivencia es para mí inefable. Pero sí puedo mencionar algunas cosas que contó, y otras que ayudan a entender su vinculación con los hechos políticos acaecidos entonces.

Rui Pato fue uno de los protagonistas de la Crisis Académica del 69 portugués (sí, los mayos del 68 también llegaron tarde a Portugal). Las revueltas fueron protagonizadas por jóvenes universitarios ávidos de conocer qué significaba la palabra democracia, repletos de fuerzas y ansias de cambio. Pretendían acabar con aquel Portugal anclado en el pasado, horadado por la miseria, y cegado por la censura salazarista. Por supuesto, aquellos levantamientos tuvieron luces pero también sombras. Se dieron injusticias, como acontece en cualquier movimiento conjunto donde hay personas poco sensatas, cuyas decisiones se imponen a las de la mayoría. Pero el balance general fue tan positivo como necesario. Por ejemplo, se consiguió que Coimbra dejase de ser una ciudad profundamente jesuítica anclada en la Edad Media.

Debido a las citadas revueltas universitarias, Rui Pato y otros estudiantes fueron castigados. La condena consistió en ser expulsados de la Universidad antes de acabar la carrera, para hacer el servicio militar obligatorio. Esa decisión fue un craso error por parte de la dictadura, porque activó sus propios detonantes. Los salazaristas nunca imaginaron que los estudiantes podían influir, convencer y cultivar a los militares. Para propagar ideas usaron diversas vías; la principal, las canciones protesta, en este caso, de un cantautor con quien Rui Pato estuvo acompañando a la guitarra durante muchos años, llamado Zeca Alfonso. Sus letras estaban henchidas de mensajes metafóricos que criticaban la dictadura (como “Os Vampiros”), o que clamaban la necesidad de acabar con las guerras coloniales (así, “Menina de olhos tristes”, también censurada, entre otras).

Zeca Alfonso fue asimismo el autor de “La grândola, Vila Morena“. Esa canción fue una de las claves para que diese comienzo la Revolución de los Claveles cuando se escuchase en la radio el 25 de abril de 1974. Aún hoy permanece como símbolo de la llegada de la democracia a la sociedad. El origen de esa sublevación se había ido fraguando hacía años, y para ello, según se ha explicado, había influido la canción. El arte, en sus diferentes manifestaciones, ayudaba a cambiar la realidad, como en tantas ocasiones a lo largo de la Historia.

Imagen 2. Fuente: http://jipylon.blogspot.pt

Según Rui Pato, la imagen idealizada que se ha difundido de la revolución de los claveles es cierta. Incluso los tanques, al entrar en la ciudad, paraban cuando el semáforo estaba en rojo. La famosa foto del clavel en las bocas de los cañones de tanques y ametralladoras refleja plenamente aquella revolución pacífica. No obstante, Rui Pato recuerda que esas armas estaban cargadas, y que nadie sabía lo que iba a ocurrir, por lo que el miedo era latente. De hecho, murieron algunas personas en días cercanos, pero en cantidad infinitamente inferior a las vidas que se estaban llevando los movimientos libertadores independentistas de las entonces colonias, principalmente, Angola, Mozambique y Guinea.

Actualmente hay quienes afirman estar desencantados con los resultados de aquella revolución, y se quejan de que Portugal sigue con miseria, desigualdad e injusticia. ¿Fue una revolución inconclusa? No tiene por qué. Según Rui Pato, él y tantos otros ayudaron a resolver el problema de aquel entonces en la medida de sus posibilidades. Luego, las consecuencias y la historia han seguido un rumbo que muchos de aquellos ya no pueden controlar (entre otras cosas, porque él es médico y no político). Ahora toca a los jóvenes regenerar las contrariedades del presente, si es que quieren cambiar la situación.

Ya sé que estas palabras son parcas. Son las pocas que recuerdo que escuché de viva voz de una especie de entrevista colectiva a Rui Pato. Una delicia que disfruté, consciente de que presenciaba una de las clases más interesantes que nunca había escuchado. Digo clases porque eso aconteció en las de Portugués impartidas en la Universidad de Coimbra (dónde estudiaba Rui Pato cuando fue castigado, por cierto). El profesor, Antonino Silva, tuvo el buen gusto y la brillante idea de dedicar el día al maestro invitándolo a venir, y él tuvo la generosidad de aceptar; toda una suerte. Aquí les dejo con un vídeo antiguo pero representativo de la calidad musical de aquel entonces (en la parte II habla Rui Pato de joven).

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Fuentes de las imágenes:

– Imagen cabecera: Blog Jypilon.

– Imagen 1: Blog Ecestaticos.

– Imagen 2: Blog PortalEureka.

Tonino intenta robar una obra de arte… digital

Por MaryJazz

El conocido reportero Tonino Guitián se dirige al Centro Cultural Juan Miró. Lo ha elegido para robar una pieza de Antonio Alvarado, especialmente conocido por explorar los nuevos ámbitos del arte digital. Tonino va con su saco en mano, antifaz y media en la cabeza para no ser reconocido.

Se propone poner en práctica su plan perfectamente ensayado en casa con el plano y las localizaciones exactas de las piezas. Al ser del día de la inauguración de la obra de Antonio Alvarado y estar programada una instalación musical de Mary Jazz, calculó que se generaría la confusión necesaria para extraer una de las piezas sin problema. Pero, dado que hasta la fecha lo máximo que había conseguido robar en el banco eran los bolígrafos, la tarea no iba a ser tan sencilla al tratarse de una obra de arte digital. El botín de su intentona sólo llegó a ser la portada de un magazine de aquel centro cultural por haber coincidido con el día de la inauguración (y que contiene esencialmente la misma información que aquí puedes leer).

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El nueve de abril se inaugura la exposición de Arte Digital “ON/OFF” de Antonio Alvarado en el Centro Cultural Juan Miró de Madrid. Con motivo de dicha inauguración, la performance musical “Cuadros de una exposición de…” , basada en música descriptiva de las piezas expuestas, se une primera vez con el mundo digital.

Por ello, su realizadora Mary Jazz  ha introducido ese intento de robo de una pieza al estilo antiguo. Su objetivo es llamar la atención sobre la diferente naturaleza de sus piezas. Frente a la tradición clásica previa al siglo XX, encumbrada desde las obras del renacimiento hasta el romanticismo, y sus parámetros clásicos de estilos y materias que aún triunfan en la civilización oocidental, encontramos nuevos campos. En el mundo digital tenemos una obra hija de la informática, inasible a la mano humana pero visible ante sus ojos y basada en códigos que sólo algunos pueden organizar. Tales aspectos, vinculados a su condición física, dificultan su acogida y valoración en espacios clásicos de exposición o difusión del arte en sus diversos niveles, como puedan ser los museos, las galerías, las academias o las aulas universitarias.

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Instalación "Cuadros de una exposición de...", el 9 de abril a las 19:30 hs en el Centro Cultural Juan Miró, para inaugurar la nueva obra digital de Antonio Alvarado, ON/OFF.

Ese juego del robo material de una pieza inasible permite plantear esos temas para abordar los campos actuales del arte relativamente jóvenes. Pone de relieve el papel de la naturaleza material diferenciada de las piezas digitales. Consigue llamar la atención sobre la aparente paradoja de que el mundo digital, el cual, pese a contar con un formato absolutamente presente en el uso de la tecnología cotidiana contemporánea, no cuenta con una asimilación equivalente en el ámbito del arte. Se enfrenta con la dificultosa comprensión de su verdadero sentido estético y plástico por gran parte de la comunidad artística y de la sociedad en general.

La performance “Cuadros de una exposición de…”, con todas sus variaciones, fue ideada por Mary Jazz, basada en la suite homónima de Mussorsgky (1878), retomando su idea y su melodía.

Está basada en música denominada descriptiva, en este caso de la obra pictórica. Si se clicka sobre los nombres en color aparece más información sobre la descripción de ésta instalación de Mary Jazz  “Cuadros de una exposición de…”, y las realizadas con anterioridad: ARTE (José da Fonseca, 2013), 3RA, III Residencia aberta (Sem Pavor artistas plásticos, 2013), Doom (Silvia López, 2014), Desatinos (Fonseca y Duarte, 2015).

Advertencia para los asisntentes: estaremos encantados de que se hagan fotos y se retwitee, en este caso va a emplear el halstag #RobArteDigital.

Puedes unirte al evento en facebook: RobArteDigital

Si quieres bajarte el anuncio, haz click en:  1MaryJazzCuadrosdeunaExpoAnuncio

Vivir tras la muerte. Tan alto cuanto los ojos alcanzan.

Vivir. Y no morir. Vivir después de la vida. Volver a morir tras la muerte. Un Santo que con su balanza pesa el alma a la entrada de la Exposición. Vírgenes que pasan al calendario inmortal de los finados junto con sus incólumes padres (1). Dioses que en su cruz  mueren y resucitan todos los años o que pasean en sus barcas en el imaginario colectivo de los creyentes (2). Imágenes que nunca perecen (3). 
Imagen de un ángel de la barca de caronte con la virgen, sacada en las procesiones en primavera. Archidiócesis de Évora. Fórum Eugenio de Almeida. Foto: María Zozaya.
(2) Imagen de un ángel de la barca de caronte con la virgen, sacada en las procesiones en primavera. Archidiócesis de Évora. Fórum Eugenio de Almeida. Foto: María Zozaya.

 

 Vánitas que recuerdan que lo importante son nuestros valores espirituales, y que hay que rechazar los bienes terrenales para no sucumbir mal en el intento. Hoguera de las vanidades y hogueras imaginadas. Como la realizada por Cildo Meireles para quemar a los muertos reales del pasado que se llevó por delante la inquisición. De fondo, una calavera que recuerda a los humanos que tarde o temprano todos vamos a morir; y que, paradójicamente, son los huesos los que van a permanecer durante siglos para recordar nuestra insoportable ausencia (4)
Abrazo ante la puerta Dourada, padres de la virgen. S.XVII-XVIII. Archidiócesis de Évora. Fórum Eugenio de Almeida. Foto: María Zozaya.
(1) Abrazo ante la puerta Dourada, padres de la virgen. S.XVII-XVIII. Archidiócesis de Évora. Fórum Eugenio de Almeida. Foto: María Zozaya.

 

Imagen la virgen en la barca de Caronte. Archidiócesis de Évora. FEA. Foto: María Zozaya.
(3) Imagen la virgen en la barca de Caronte. Archidiócesis de Évora. FEA. Foto: María Zozaya.

 

Imagen de los ángeles que acompañan a la virgen en la barca de Caronte. Archidiócesis de Évora. FEA. Foto: María Zozaya.
Imagen de los ángeles que acompañan a la virgen (en la barca de Caronte, de tradición pagana ). Archidiócesis de Évora. FEA. Foto: María Zozaya.

 

 

Imagen de un ángel de la barca de caronte con la virgen, sacada en las procesiones en primavera. Archidiócesis de Évora. Fórum Eugenio de Almeida. Foto: María Zozaya.
Imagen lateral de la barca de caronte con la virgen, sacada en las procesiones en primavera. Archidiócesis de Évora. Fórum Eugenio de Almeida. Foto: María Zozaya.
En el fondo, todas esas imágenes vienen a representar la idea de trascendencia, de la inmortalidad y de la vida, o de la oscuridad que puede haber sin ella, como podría interpretarse el fondo oscuro de Fernando Calhau. Tambien, a esa trascendencia puede ligarse la necesidad de representar las ganas de vivir, como la obra de Juan Onofre, donde una niña canta a la oscuridad que nunca termina.  “N´en finit plus” (La nuit n´en finit plus) habla de ese deseo de disfrutar o de sentir, cuando en realidad está dentro de una fosa aislada, obra que se liga a su águila cuyas alas rozan con las paredes de un cuarto donde no puede volar ni experimentar su libertad.
Francisco Tropa. Gigante, 2006. Fórum Eugenio de Almeida. Foto: María Zozaya.
(4)  Los huesos de la vánitas. “Gigante” Francisco Tropa.2006. Fórum Eugenio de Almeida. Foto: María Zozaya.

 

 

Nada mejor como una guia ante la incertidumbre del mundo, y en este caso, ante la expicable colocación y escogida de piezas que puede guiar el orden de una exposición comisariada por Delfim Sardo. En este caso, ese delicioso o espantoso mundo terrenal y trascendental quedó retratado en la Exposición del Fórum Eugenio de Almeida con aquel título “Tan alto como los ojos alcanzan”. Cobró pleno sentido con la excelente explicación guiada de Joaquim Caetano (5), antiguo director del museo de la Ciudad de Évora y actual conservador del Museu de Arte Antica de Lisboa. La exposición contaba con fondos de la archidiócesis de Évora (del siglo XIV,  al XIX) y piezas contemporáneas como las de los mencionados artistas.
Joaquim Caetano en la guía del Forum Eugenio de Almeida. Foto: María Zozaya.
(5) Joaquim Caetano en la guía del Forum Eugenio de Almeida, ante la imagen más antigua conservada de un autor evorense, siglo XIV. Foto: María Zozaya.

 

Para quienes estén interesados en compartir las fotografías, puse el álbum en facebook. Para quienes no pudieron ver la magnífica obra de Joao Onofre, remito al vídeo situado abajo. Para quienes ya conocen su performance, aquí consta la letra de la canción que utilizó , que antaño popularizó Petula Clark (La Nuit N´en finit plus), totalmente relacionada con una parte del sentido de la exposición, y por ello cedió su uso al Fórum Eugenio de Almeida.

 

La Nuit N’en Finit Plus

Quand je ne dors pas
La nuit se traîne
La nuit n’en finit plus
Et j’attends que quelque chose vienne
Mais je ne sais qui je ne sais quoi
J’ai envie d’aimer, j’ai envie de vivre
Malgré le vide de tout ce temps passé
De tout ce temps gaché
Et de tout ce temps perdu
Dire qu’il y a tant d’êtres sur la terre
Qui comme moi ce soir sont solitaires
C’est triste à mourir
Quel monde insensé
Je voudrais dormir et ne plus penser
J’allume une cigarette
J’ai des idées noires en tête
Et la nuit me parait si longue, si longue, si longue

Au loin parfois j’entends d’un bruit de pas
Quelqu’un qui vient
Mais tout s’éfface et puis c’est le silence
La nuit ne finira donc pas
La lune est bleue, il y a des jardins
Des amoureux qui s’en vont main dans la main
Et moi je suis là
A pleurer sans savoir pourquoi
A tourner comme une âme en peine
Oui, seule avec moi-même
A désirer quelqu’un que j’aime
pas cette nuit, pas cette nuit
Qui ne finira donc jamais.

Mais j’ai trop le cafard
Je voudrais partir au hasard
Partir au loin et dès le jour venu
La nuit, oh la nuit n’en finit plus
Oh oh oh oh, oh ! la nuit ne finit plus

Jazzados por el Guilherme Melo Trio

Por Leonor Zozaya y Dj Mary Jazz

De nuevo en Coimbra, este viernes 6 de febrero tuvimos la oportunidad de escuchar una interesante propuesta musical en Quebra, un local que ofrece conciertos tanto de grandes consagrados del Jazz (Joao Gentil, Bandeira, Moreira) como nuevas camadas de jóvenes que insuflan energía al jazz clásico en Portugal. Éste fue el caso de un concierto muy agradable lleno de equilibrio, con la claridad del Guilherme Melo Trio, un batería lleno de ricas sonoridades, bien acompañado por João Fragoso, un contrabajo discreto. La corrección y precisión de estos músicos sorprende pese a su escandalosa juventud, de apenas veinte años. Por su parte, la prodigiosa sonoridad de la  guitarra de João Freitas ya se esperaba, pues  es de sobra alguien conocido en los círculos jazzísticos de la ciudad. La corrección y originalidad discreta del conjunto embelesaban, máxime cuando se añadieron los dulces tarareos improvisados de Laura Baptista, que despidió el concierto con un magnífico “Bye bye black bird”.

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Dejaron al público Jazzado, en un nuevo término que se acaban de inventar quienes escriben estas palabras, para intentar definir el bienestar que se siente con el vivificante estímulo del Jazz. Todo un acierto la propuesta en la sala de Jazz a Quebra (Coimbra, Portugal) el 6 de febrero  de 2015.

Tenoris Causa: Zapata en Hansel y Gretel

Por María Zozaya

El tenor José Manuel Zapata puede ser motivo suficiente para ir al Teatro Real de Madrid a ver la ópera Hansel y Gretel. Su representación de la bruja en una propuesta atrevida y travestida es todo un acierto.

Lejana a la bruja nariguda y con lunar en la nariz, encarna a un mal bastante diferente, por vincularse a uno de los que claramente acechan en la actualidad. Laurent Pelly ha planteado la obra como una crítica al consumismo y al capitalismo actual, donde la clásica casita de chocolate es sustituida por una tienda de dulces y productos capricho regentada por la bruja Zapata. Ésta, embutida en su traje rosa chicle, ofrece dulces a los hambrientos niños que viven en una casa de cajas de cartón. Los niños, es consabido, destruyen a la bruja lanzándola al horno para quemar sus males en la hoguera.

Para quien escribe estas líneas (creadora del proyecto Crowd-Recycling), la obra Hansel y Gretel adquiere una magnífica dimensión -que podría asociarse a las metáforas didácticas de los cuentos- porque son los niños pobres quienes consiguen acabar con La bruja del Capitalismo. Hansel y Gretel representarían a las jóvenes generaciones venideras que pueden contribuir a paliar los males creados por generaciones anteriores en este siglo XX.

Este planteamiento que saca a la palestra de la crítica a la situación actual desde los escenarios, estaría en la línea de piezas reseñables en los últimos años, como la impresionante “Autochtone” de AOC, que entre acrobacias terminaba llenando de chatarra el suelo del Circo Price; el absurdo sistema en que sumen a los ciudadanos los políticos y sus despojos, criticada en el “Capitalismo” de Animalario; o el eterno “Mahagonny“, ciudad del vicio y los males humanos construida sobre una burbuja de perdición, cuyo escenario la Fura dels Baus llenaron de basura  en el Teatro Real. En el caso de la obra actual, en esa  crítica del consumismo encarnada por Alice Coote, Silvia Schwaartz, y La bruja Zapatista, de nuevo vinculado a un papel transgresor, como ya hiciera en la obra Barrokeros.

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Es de especial interés hacer visitas guiadas al Teatro Real antes de las funciones, como la que pudieron ver los pertenecientes a la Universidad Camilo José Cela o Universidad Complutense de Madrid guiados por el estudioso de la ópera Joaquín Turina antes de las representaciones.

Ricardo III. Un embaucador contrachecho para la Historia

Por María Zozaya

Un hombre contrahecho que no sirve para ser amante ni amado. Un hombre para quien el ritmo de la marcha militar se convierte en una delicada danza. Un engendro deformado para el que los frívolos juegos amorosos de la guerra sólo se traducen en duelos personales resueltos mediante ataques por la espalda tramados en la oscuridad. Es el rey Ricardo III retratado por la dramaturgia de Shakespeare, el autor eterno de los fantasmas y de los sueños reveladores del futuro inmediato y lamentablemente oscuro. El autor de los conjuros que la mujer desata como única respuesta a la maldición -donde aparece Dios como juez máximo-, cuando se ve indefensa y desafiada ante sus presagios, o ante los males que parió su vientre. Shakespeare es el autor excelso de las venganzas y las maldiciones. En este caso, las maldiciones lanzadas contra los ataques de Ricardo III, un sapo venenoso  deseoso del mal por el mal, un ingrato que se aprovecha de los tiempos de inquietud y de discordia que se abaten sobre todo desinterés. Un hombre que se sirve de un amplio repertorio de sonrisas forzadas para tramar las más duras argucias.

Se revela, a través de estos personajes, el mismo  escritor de los condenables del Rey Lear, el mismo creador de las Tempestades humanas llevadas eternamente a la escena con gran éxito (como Peris Mencheta).  Vemos, de nuevo, al guía de la procesión de muertos que afortunadamente llevan a los personajes maléficos a la desesperación,  como en Hamlet o en Lady Macbeth.

Hay alguna salida dramática de todos esos presagios y maldiciones? Aparentemente sí. Al salir de la función del teatro Español, basada en la dramaturgia del gran Sanchis Sinisterra, ves como su reparto ha conseguido meterte en Shakespeare. Asunción Balaguer, Terele Pávez, Juan Diego, Lara Grube, Aníbal Buzo, Ana Torrent o Carlos Martín, te han llevado por ese viaje de las luchas monárquicas del Siglo XVI y han logrado que aparezcas en el teatro del Madrid decimonónico, dando bravos al magnífico elenco que compone esta función.

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Elenco de Ricardo III para el Español. Foto: Sergio Parra

Del 4 de noviembre hasta el 28 de diciembre en el Teatro Español.

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