“Dragones de Robledo”

Con ese nombre nació en 2018 el primer Festival de Artes y Património bajo el halo protector de los 76 dragones que permanecieron ocultos

desde hace más de cinco siglos en la bóveda de la iglesia de la Asunción de Nuestra Señora de Robledo de Chavela (Madrid).

Las figuras de los dragones, de largas colas y grandes fauces, se insertan entre pinturas que representan varias escenas mitológicas. Sus tonos negros, rojos, ocres, y verdes permanecieron ocultos por una capa de cal, que posiblemente se incorporó como medida preventiva ante la epidemia de peste del siglo XVIII. Las pinturas aparecieron recientemente al restaurar la iglesia, y componen un conjunto representativo de las mayores y más interesantes colecciones de dragones que se conocen en España, y probablemente de la Península Ibérica (entre los que cabe destacar el de las Casas Pintadas del Fórum FEA, en Évora). Estas excepcionales pinturas se han datado en torno al último cuarto del siglo XV e inicios del XVI.

Iglesia de Robledo de Chavela (Madrid), Fuente: Telemadrid

Se encuentran en la iglesia de la Asunción de Nuestra Señora de Robledo de Chavela , que es es una de las mejores muestras de la arquitectura gótica española (según la Consejería de Empleo, Turismo y Cultura de la Comunidad de  Madrid).  Construida entre los XV y XVI, destaca su retablo mayor de estilo hispano-flamenco, ofrecido por los Reyes Católicos a finales del siglo XV, retablo que cuenta con más valor valor en toda la región madrileña. 

“Espacio C” es la gestora cultural encargada de crear el diseño conceptual y programación del Festival, y puedes ver sus actividades en su Facebook o en su página web. El festival parte de un concepto abierto al uso de espacios públicos para recuperar el ocio y la creación desde las plazas y calles. A su vez, busca valorizar el rico patrimonio artístico, arquitectónico, cultural y medioambiental de Robledo de Chavela a través de una serie de actividades artísticas donde vecinos y visitantes pasan a ser partícipes activos.

“Dragones de Robledo” nos acerca a diferentes encuentros artísticos; talleres creativos, lecturas, música y conferencias. Cuenta para ello con el apoyo del Año Europeo del Patrimonio Cultural 2018.

Otros dragones de la Península I´berica, en Évora (Portugal), en las Casas Pintadas. Fuente: Cartuxa e Fórum Fundação Eugénio de Almeida.

Además “Espacio C” ha querido poner la mirada del festival en la innovación desde la accesibilidad. Para ello, ofrece -por primera vez en su entorno-, un Festival con sistema de frecuencia modulada para facilitar la escucha a personas con discapacidad auditiva para dos de los conciertos; traducción a la lengua de signos para el día de los relatos; y un servicio de salvaescaleras que cubra el acceso de la Plaza de España a la Iglesia de la Asunción de Nuestra Señora para personas con problemas con movilidad durante el sábado y el domingo.

Con un fantástico cartel de actuaciones para disfrutar en familia, el festival os da la bienvenida a su primera edición.

Esta es la programación:

  • Talleres creativos para todas las edades (#cometas y #comic, #encuadernación y #fotografía )
  • Concurso de #pinturarápida
  • Lecturas de #relatos y #poesías: leyendas, mitología, viajes, fantasía, imaginario….. por el equipo de Espacio C (Ángela Pañeda, Sabina Concepción y Emilio Morales) Con acompañamiento a la guitarra de Francisco Javier Valencia
  • Conferencias sobre la inspiración de los Dragones en la #Opera… Haendel, Mozart y Wagner de la mano del director de ópera Miguel Ferrando
  • Música con:

En Agosto, los días 2, 3, 4 y 5,

¡os esperan los dragones de Robledo de Chavela!

Si quieres compartir hastag de Twitter:

#EuropeForCulture #RobledodeChavela

#arte #patrimonio #dragonesderobledo

#accesibilidad #cultura #pinturarapida #musica

 

Créditos de esta entrada:

Texto base: Espacio C. Texto sobre Programación: espacio C

Mofidicaciones del texto y edición: María Zozaya

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Bigajó: Espíritus en esculturas africanas. Heritales y el barrio de Ajuda traen ritos de Guinea Bisau a Lisboa

Las esculturas han acercado a dioses y hombres en numerosas civilizaciones  (1).

Se trata de objetos artísticos con gran capacidad ritual, que conforme las creencias e idiosincrasia de cada región consiguen en un momento dado catalizar creencias de la comunidad.

El continente africano sigue siendo un espacio donde analizar las creencias, por conseguir mantener numerosas culturas en estado prístino.

Como decía Nigel Barley en su inocente acercamiento al pueblo dowayo de Camerún, occidente primero intentó controlar y modernizar el continente africano por considerar que allí estaban las culturas “primitivas” (términos especialmente dinamizados por las teorías evolucionistas del siglo XIX) y después paradójicamente enviaban allí a sus estudiosos a analizar aquellos orígenes para intentar comprender las formas complejas de cultura occidental (2) .

El documental “Esculpir los espíritus” (3) retrata la relación entre los espíritus y la naturaleza transformados en esculturas desde la perspectiva mágica de los Bijagós.

Se trata de una historia inigualable sobre el mundo de las creencias del pueblo Bijagó, cuya relación con los espíritus y la naturaleza rige su vida cotidiana, así como todas las decisiones tomadas por la comunidad. Según las creencias transmitidas por las mujeres, el ser humano, la naturaleza y los espíritus son interdependientes, y pueden ser expresados a través de la escultura, tal y como realizan los hombres. En un mundo globalizado en constante cambio, donde las estructuras tradicionales peligran, es posible que este patrimonio inmaterial de la humanidad desaparezca para siempre, aunque queden sus esculturas y fuentes icónicas como esta película.

Fuente: https://www.bijagosfilms.com/sculpting_the_spirits

El 28 de julio los espíritus de Guinea Bisau tomarán forma ritual en esculturas a través del documental “Sculpting the Spirits”. Será proyectado en el popular Barrio de Ajuda de Lisboa, y contarán con la presencia de  autoridades de Guinea Bisau, así como con la autora, Noemi Mendelle y con el productor Luis Correia, más conocido por ser el director del afamado DOCLisboa La iniciativa se inserta en la Primera Feria de Guinea Bisau “made in Guiné Bisau” en el Barrio de Ajuda de Lisboa (consulte la dirección del Largo da Paz, donde tendrá lugar  haciendo click aquí).

 

El hecho de ser un documental con base antropológica y alto rigor científico motivó que lo eligiera el festival Heritales para establecer su colaboración con el Barrio de Ajuda de Lisboa. Retomando el sentido de las palabras de Nigel Barley, y la constante mirada europea a la poliédrica realidad africana, consideramos que pueden ayudar a recapacitar sobre dónde poner los ojos para estudiar la cultura africana para entender su idiosincrasia en relación con la naturaleza y el espíritu. Incluso, algún día nos permitirá entender esas facetas de la cultura y la naturaleza que tienden a perderse en la sociedad occidental.

El objetivo del festival Heritales es difundir la investigación en otros soportes que no sean los libros y artículos científicos, tanto por el emisor como por el receptor: por un lado, en numerosos casos las entrevistas y las imágenes consiguen transmitir de la mejor forma posible el legado del patrimonio Inmaterial; y por otro, el lenguaje fílmico permite llega a toda la sociedad con mayor facilidad. Este año 2018 Heritales se consagra a los ritos,  encuentros y celebraciones que permiten que diversos entornos culturales hayan sobrevivido durante siglos. Para ello, y en este caso en lo que concierne al caso de la cultura africana, ha establecido un acuerdo de apoyo con el festival FCAT, y colabora en el mencionado primer festival sobre Guinea Bisau organizado por la Junta de Freguesía del Barrio de Ajuda de Lisboa con este filme que fue candidato al festival Heritales.

 

NOTAS AL TEXTO

  1. Stephan Schröder, Moritz Woelk y Kordelia Knoll. Entre Dioses y Hombres, Esculturas clásicas del Albertinum de Dresde y del Museo del Prado. Madrid, Museo del Prado, 2008.
  2. Nigel Barley, El antropólogo inocente, Madrid, Anagrama, 1983.
  3.   “Sculping the Spirits” (2014) 54´. Producido por Luis Correia, Directors / producers: Luís Correia & Noé Mendelle
  4. Imagen del slider o cabecera: Foto de María Zozaya de la armadura en el Palacio de los Condes de Cadaval, del festival Évora África (Évora), junto al cuadro “Image on red Carpet” de Steve Bandoma para la Galería magnim-A.

 

Sugerencia de cita de esta crítica:

Sugerencia de cita.

María Zozaya, “Bigajó: Espíritus en esculturas africanas. Heritales y el barrio de Ajuda traen ritos de Guinea Bisau a Lisboa (2)” TEArTRES. ISSN 2444-7374, 27-07-2018.

Tierra a la vista. Ver África desde Europa con FCAT (1)

Por María Zozaya.

Jorge Urrutia escribió un libro sobre África cuando apenas conocía dicho continente. Se basó deliberadamente “en una África que no existe”, gestada en ideas deformadas.

Ideas que se había ido forjando mediante las imágenes heredadas. Habían llegado a España con los salvajes de las películas de Tarzán y las tribus de caníbales de Haggart, y eran deudoras de las expediciones de Stanley y el doctor Livingstone1, supongo.

Son imágenes forjadas durante generaciones, que seguramente engloban a todo el continente Europeo.

Se remontan a la justificación de los colonialismos del siglo XIX, guiados por los preceptos de conquista acreditados por los ideales del progreso 2. Dentro de la lógica ocidental, África quedaba como ese lugar que era necesario invadir para aprovechar esos recursos que una serie de indígenas con taparrabos no iban saber explotar como bien tramaba la masacradora forma capitalista.

Cuadro de Steve Bandoma, Image on red Carpet (Magnim-A). Fotografía de M. Zozaya en la exposición ÉvorÁfrica, Palacio de los condes de Cadaval, 2018. 

Tales visiones estaban radicalmente alejadas de los intereses de aquel continente y muy lejanos al reconocimiento de la Negrésse 3, con la dignidad de reclamar una cultura propia simbolizada en un color.

En pleno siglo XXI, los trabajos para acabar con imágenes culturales distorsionadas de África siguen siendo absolutamente necesarios. Son imperiosos tanto para acabar con el racismo y la desigualdad como para concienciar sobre la necesidad de unirse y colaborar con continentes donde puede estar la salvación social y ecológica de Europa.

Filipe Branquinho, Boas Festas (Magnim-A). Foto: M. Zozaya en, ÉvorÁfrica, Palacio condes Cadaval, 2018. 
En este sentido, acercar la realidad africana es una larga tarea en la cual se insertan iniciativas de gran relevancia y que suelen focalizarse hacia la cultura. Una de ellas es el Festival de Cine Africano FCAT, que actúa como embajadora de primer orden de dicho continente.

La directora del festival Mane Cisneros lo considera un vehículo esencial de transmisión de valores. Según Gaetano Gualdo, el objetivo de FCAT -de cuya organización forma parte- es “normalizar la imagen de África a través de sus cines,  queremos que se vea y se aprecie una película procedente del continente vecino por sus calidades cinematográficas, no por pietismo. Por supuesto, la imagen cinematográfica llega siendo un vehículo de información único y de fundamental importancia,  que muchas veces de habla de realidades que salen de los que son las temáticas tocadas por los medios de comunicación de masa”.

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Imagen de FCAT 2017 en Flikr.

Según describe la organización de forma genérica el Festival de Cine Africano FCAT , se trata de “un Festival de cine independiente de carácter competitivo, organizado por la asociación sin ánimo de lucro Al Tarab, que tiene lugar de forma anual en las ciudades de Tarifa (España) y Tánger (Marruecos). El FCAT centra sus esfuerzos en la promoción y divulgación de las cinematografías del continente africano y del mundo árabe no africano en España y América Latina, esperando con ello ayudar a una mejor comprensión entre los pueblos y aportar una contribución positiva al desarrollo de la cultura y de la industria cinematográfica africana, ofreciendo un espacio de encuentro para profesionales de la industria audiovisual y fomentando la distribución de sus trabajos en todo el territorio español”

Serie de Frederic Bruly Buabré. Fotografía: M. Zozaya, exposición ÉvorÁfrica, Palacio condes Cadaval, 2018. 

Cuando se aprecian los resultados del festival a través de las múltiples notas de prensa que les han llovido, y se intuye el gran impacto que alcanza en los lugares por donde pasa, se muestra necessário que iniciativas de este tipo se difundan por España y Portugal4 (y más a la luz de los recientes hechos del Aquarius que sólo hacen visible una de las tragedias diarias de este continente).

Como codirectora del festival de cine sobre patrimonio Heritales –organización con la cual FCAT intenta acercar sus objetivos a la acción en el Alentejo portugués-, considero que son completamente necesarias este tipo de intervenciones de naturaleza cultural, que contribuyen a defender los patrimonios autóctonos y a denunciar -de un modo u otro- los abusos del capitalismo. Más allá de los discursos, tan clásicos en el mundo de la academia, tales iniciativas prácticas deberían de entrar en el decálogo de prioridades de los países Europeos en su búsqueda real de concordar con los objetivos de la Organización de las Naciones Unidas.

Amadou Sanogo, Le colére de le Échec (Magnim-A). Fotografía: M. Zozaya, ÉvorÁfrica, Palacio de los condes de Cadaval, 2018. 

NOTAS

1. Jorge Urrutia, Leitura do obscuro. Una semiótica de África. Lisboa: Teorema, 2001.

http://mhernandez-palmeral.blogspot.com/2017/11/jorge-urrutia-miguel-hernandez-el_28.html

2. Eric Hobsbawm, A era dos Impérios, Rio de Janeiro: Paz e Terra, 1988.

3. Léopold Sédar Senghor, Liberté 1: Negritude et Humanisme, Paris:Éditions du Seuil, 1964.

4. Como el festival EvorÁfrica al que quisiéramos dedicar la crítica siguiente y al cual pertenecen algunas de las imágenes de este texto. Realizado en el Palácio de los Condes de Cadaval.

Sugerencia de cita.

María Zozaya, “Tierra a la vista. Ver África desde Europa con FCAT (1)” TEArTRES. ISSN 2444-7374, 15-06-2018. 

 

 

 

 

 

Perlas y Guijarros de Nikodim, o el arte serbio en el universo

 

ENTONCES

Cuando se desajuste,

como un reloj desgastado,

el ritmo en mi alma,

 

y se desenfoque,

como la imagen sobre el agua,

tu semblante en mi pupila,

y se estremezca,

como una hierba por el aire,

mi mano antes de tocarte,

 

y se desvanezca,

como el sueño precipitado,

mi cautela ante el peligro,

y se rompa,

como un despertar,

el hechizo de la duda,

y se atisbe,

como promesa no cumplida,

la posibilidad en el horizonte,

Entonces,

sabré que has venido

para quedarte para siempre.

Nikodim-Divna Nikolic

El presente poema “Entonces” está escrito por la artista polifacética Nikodim, cuya obra  tenemos la honra de presentar brevemente, así como dar a conocer el lanzamiento del libro Perlas y Guijarros que tendrá lugar en la Biblioteca Lope de Vega el 6 de abril.

Nikodim – Divna Nikolic, pintora, mosaiquista y escritora, nació en Serbia (Kasevar 1960), donde se formó como profesora de bellas artes y diseñadora gráfica. Desde el año 1991 vive en España, dedicándose a la creación artística y a la enseñanza del mosaico clásico y artes plásticas. Por primera vez editó algunos de sus poemas con diecinueve años. Su capacidad sinestésica le permite expresar la música en las pinturas o pintar con las palabras en sus poemas, con la misma sensibilidad y fuerza y sin depender de los medios y formas. Ha editado dos libros de poemas: La flor del baobab, 2016 y Perlas y guijarros,  2018.

Nikodim cuenta en la actualidad con una exposición de pintura en la sala Bomoble.

Nikodim-Divna Nikolic es una artista multidisciplinar que expresa su creatividad en escritura, pintura, grabado, dibujo, mosaico de piedra natural…

En esta exposición muestra catorce obras en óleo sobre lienzo y mosaico teselatum vermiculatum. La temática que abarca es diversa, desde los retratos inventados, paisajes de su imaginación o abstractos singulares.

 

Divna Nikolic habla del papel del arte y la educación en la civilización contemporánea en el documental realizado por Camila Espinel.

Nikolic es especialista en mosaicos, que realiza y enseña siguiendo la tradición clásica romana. 

Recientemente Divna Nikolic intervino en la conferencia interdisciplinar sobre el papel de la mujer en el pasado y el presente en la Casa de Aragón en Madrid, junto con (por orden de aparición) José María Orti, María Zozaya, Dusica Nikolic, Ingrid Da, Susana de la Cortina, Luis Miguel Losada, Divna Nikolic y Teresa Aranguren.

Créditos:

Texto en redonda: Divna Nikolic.

Imágenes de obras: Divna Nikolic e invitaciones de su obra.

Texto de presentación escrito en itálico:  María Zozaya

Edición: María Zozaya

 

 

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O tempo das Pedras: A Visita

Estas pedras têm uma idade de 120 milhões de anos. São rochas metamórficas que se constituíram a partir de outras pedras mais antigas, rochas sedimentares. Que se constituíram a partir de materiais orgânicos, ossos, conchas, corais.
Hoje visitam-nos em nossa casa. O meu trabalho é dar-lhes forma de nos visitar”.
Pedro Fazenda, Janeiro de 2018.
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El TIEMPO DE LAS PIEDRAS: LA VISITA (Español)
Estas piedras tienen una edad de 120 millones de años. Son rocas metamórficas que se constituyeron a partir de otras piedras más antiguas, las denominadas rocas sedimentares, que fueron constituidas a partir de materiales orgánicos, huesos, conchas, corales.
Hoy vienen a vernos a nuestra casa. Mi trabajo es darles forma para que nos puedan visitar”.
Pedro Fazenda, enero de 2018.
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Esa es la breve presentación que ha escrito el reconocido escultor portugués Pedro Fazenda para este site teartres , con el objetivo de atender a nuestra solicitud para difundir la magnífica exposición que expone actualmente en VIA IDEA (texto del autor traducido al español por María Zozaya).

DADOS UTEIS/ Datos de la Exposición de VIA IDEA:
Exposição patente de 10 de Fevereiro a 31 de Março de 2018.
Horário: de 5ª feira a sábado: 10:30 – 13:00 / 15:00 – 19:00
domingo: 10:30 – 13:00. 3ª feira e 4ª feira: horário sob marcação.
Para mais informações consulte VIA IDEA
Y consulte sus imágenes en Facebook
Como chegar:
Vila Nogueira de Azeitão
Autocarros: 230, 754, 755, 767, 768, 770, 783, Fertagus
Coordenadas GPS: N 38.51859   W -9.01501
sign
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El reconocido escultor portugués Pedro Fazenda en el espacio artístico “Pó de vir a ser”. Foto: María Zozaya

 

Sob o Autor: PEDRO FAZENDA

Nasceu em Coimbra, em 1957

Estudou desenho, pintura, gravura, fotografia e escultura no AR.CO, Centro de Arte e Comunicação Visual em Lisboa.Expõe individualmente desde 1986 e colectivamente desde 1980.

É responsável, desde 1986, pelo Departamento de Escultura em Pedra do Centro Cultural de Évora, espaço aberto, equipado para o trabalho artístico em pedra. Desde 2017 o Departamento integra a Associação Cultural Pó de Vir a Ser.

Para além do trabalho de escultura e design em pedra, participa em diversos Simpósios Internacionais de Escultura, projecta e executa peças de arte pública, colabora em trabalhos de arquitectura e urbanismo em que a escultura é integrada desde o início, faz cenografias para o teatro.

Exposições mais recentes:

2017 – “Vir Ver” – Intervenção no Museu Nacional Frei Manuel do Cenáculo, Évora, com Elsa Gonçalves, Helena Calvet, Mariana Fernandes, Susana Pires e Mariana Mata Passos.

2015/2016 – “De um Lado e do Outro”, com Elsa Gonçalves, Galeria Novo Século, Lisboa; Grupo Pro-Évora, Évora; Mosteiro de Santa Clara-a-Velha, Coimbra; Sociedade Nacional de Belas Artes, Lisboa.

2015 – “O Museu que Há”, intervenção no Museu de Évora com Helena Calvet e Mariana Mata Passos.

2015 – Exposição de Esculturas, Galeria Viaidea; Azeitão.

2014 – “Encontro na Diferença”, com Elsa Gonçalves, Galeria Diferença, Lisboa.

2013 – “3 Bar Sculptures”, Bar Oficina, Évora.

2012 – ”Recônditos”, Galeria Novo Século, Lisboa.

2011 – “Metamórficos”, Grupo Pró-Évora, Évora.

2009 – “Aporias e Inomináveis”, Centro de Artes e Cultura de Ponte de Sôr.

Pedro Fazenda en el espacio artístico que reconvierte el antiguo matadero de Évora gracias a la unión de artistas de “Pó de vir a ser”. Foto: María Zozaya

‘La colonia de vacaciones’, una crítica al ocio y la sociedad actual

En el mes de febrero se presenta en el Teatro del Barrio de Madrid la obra ‘La colonia de vacaciones’,

una propuesta fuera de cánones y formatos establecidos con un marcado carácter político, que desafía abiertamente jerarquías, estilos, formatos e incluso formas tradicionales de entender el teatro político.

La colonia de vacaciones se construye según se va relatando. Las tres personas en escena muestran un mundo supuestamente armónico y equilibrado que se construye a tiempo real, donde el ‘yo’ individual de cada uno de ellos se desborda y pasa a operar como una identidad colectiva. Podría pensarse que `La colonia de vacaciones´ es un lugar ideal de descanso y de ocio para personas agotadas por el extenuante ritmo de vida que llevamos, pero se trata de un espacio bastante más extraño e imprevisible, en el que se desafían muchas de nuestras concepciones más arraigadas y señas de identidad.

Cuando nos rebelamos contra los normas auto-impuestas y normalizadas, el lenguaje adquiere una potencia que permite contactar con lo fantasmagórico.

Se atraviesa la frontera que separa la vida de la muerte. El juego se convierte, entonces, en un arma de creación de nuevas realidades y los espectros de nuestro pasado reciente se manifiestan, para agitar y desafiar el marco ético de nuestra realidad cotidiana. De este modo, la trama que construye ‘La colonia de vacaciones’ se convierte en un arma de subversión de las estructuras políticas y sociales que parecen configurarnos.

La obra nos habla del régimen terapéutico en el que vivimos, del descanso y el ocio como parte del trabajo y el consumo, y del uso que el capitalismo hace de la creatividad como herramienta de precarización y de producción de subjetividades neoliberales.

Pero también de fórmulas de liberación y desbordamiento y desafío y ataque y venganza y disfrute y deseo… La obra supone la liberación de demonios interiores, de esquivos espectros revolucionarios, que cobran vida en el escenario y no se mueven por las lógicas a las que estamos acostumbrados. ‘La colonia de vacaciones’ es un dispositivo escénico vivo que pone en juego un espacio de ruptura, desarrollando un lenguaje propio para crear un espacio liberador, subversivo, divertido y desafiante.

Fuente para Teartres, firma de la crítica:  Javier Montero

Autor, dramaturgia y dirección: Javier Montero

Intérpretes: Coral Ros, Roberto Bezos, Ulka B.

 

Fechas en el Teatro del Barrio:

jueves 8 de febrero a las 22.30h

domingo 11 de febrero a las 20.30h

jueves 15 de febrero a las 22.30h

sábado 17 de febrero a las 20.00h

domingo 18 de febrero a las 18.00h

Teatro del Barrio, C/ Zurita, 20 (metro Lavapiés)
28012 Madrid
teléfono 91 084 36 92

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“La madrugada herida” de Cabezuelo

Por Julio Oporto

“En la radio anuncian la muerte física de Pirandello y, delante del público, 81 años después se nos aparecen telúricos sus espectros.

Ectoplasmáticas, metafísicas figuras haciendo metateatro, actores en los que trágicamente se han reencarnado personajes, Antígona que no podrá enterrar a su hermano, Nora delante de su conflicto vital ¡a ver quien es el guapo que la juzga!. Hamlet que sigue sin poder superar su orfandad. Segismundo en su caverna platónica y destartalada. Pedro Crespo representando el honor , la honra y la rectitud desde la humildad del que sabe que su único patrimonio y patria es su dignidad.

La madrugada herida es una obra redentora, reconciliadora, apanfletaria, fraternal e identitaria. Nos recuerda quién somos, quién fuimos y nuestra naturaleza imperecedera como personajes inmortales. Pirandello, Quevedo, Ibsen, Shakespeare, Calderón, Lorca, Buñuel, Cernuda, Casona, Hernández, Zorrilla, Sófocles, Muñoz Seca, Campoamor y Kent (gracias a las cuales hoy todos somos feministos) … mil referencias para los friquis como yo, y en el montaje algún guiño a los coros griegos ….  un homenaje al teatro. Trogollones de gracias, he disfrutado como un niño un seis de enero. Gracias. Fernando de las Heras Cabezuelo, Marian Huélamo Rodríguez, Carla Piñana, Manu Tejera, Alberto Escalante, Ernesto Ahijado, Mariano de Paco Serrano”.

CRÉDITOS

Crítica realizada por Julio Oporto

Editada para Teartres por María Zozaya

La madrugada herida es una obra de Fernando de las Heras Cabezuelo. Más información clickando aquí.

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SINOPSIS DE LA OBRA

Por Fernando de las Heras

“Madrid, mediados de diciembre 1936, el gobierno republicano se traslada a Valencia. Al frente de la ciudad se halla el alcalde socialista Cayetano Redondo Aceña. El invierno está siendo muy frío, escasean los víveres, y la ciudad es un hervidero de hostigamientos, recelos y filtraciones. Se oyen por la calle canciones revolucionarias que se mezclan con cánticos navideños o villancicos.
La acción comienza sobre las 22 horas de la fría noche en el Teatro Cómico de Madrid, el pequeño coliseo se halla muy cerca de la Puerta del Sol, pero la calefacción está encendida y hay provisión de víveres; un verdadero lujo en esos momentos de miseria y de escasez, un hecho que resulta tan imprevisto como insólito, para que las actrices y actores se sientan cómodos y acogidos. Han sido convocados uno a uno para interpretar, en teoría, a un protagonista de varios títulos del teatro universal, pero el conflicto surge
cuando son demasiados protagonistas, demasiados títulos, previsto, pero no se convoca a ni un solo actor de reparto.
No desvelaremos más. Como autor, me encuentro a mí pesar, de bruces con la memoria histórica, y en estos tiempos me tropiezo con que la cita de León Felipe se fermenta, se extiende en toda su dimensión:  “La Historia es una serpiente que se muerde la fábula”.”

 Fernando de las Heras

Cómo citar esta reseña:

Julio Oporto, “La madrugada herida de Cabezuelo, en  TeArTres,  ISSN 2444-7374,  13-XI-2017.   https://teartres.wordpress.com/2017/11/13/la-madrugada-herida-de-cabezuelo/ 

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Música para defender os Direitos Humanos

A música converteu-se no último século como uma das melhores vias para levar mensagens ao grande público. O acto de cantar em coro promove os valores da comunidade.
Neste caso referimo-nos à comunidade que acredita nos valores dos direitos humanos. A declaração dos direitos humanos mais disruptiva é provavelmente  a Déclaration des droits de l’homme et du citoyen  de 1789, da Revolução Francesa.

Mais recentemente, na Assembleia Geral das Nações Unidas,  A Declaracção Universal do Direitos Humanos de 1948 conseguiu colmatar algumas das suas deficiências,  através de princípios que permanecem vigentes e encontram na voz humana uma das melhores vias para transmiti-los.

“Voz humana” órgão barroco de la Igreja de São Francisco, Évora. Foto: María Zozaya.

Com o objectivo de apoiar a consistência destes valores o compositor Andreas Schmidt-Hartmann compôs una sinfonia a partir dos 31 dos seus artigos  e de 7 discursos famosos sobre os Direitos Humanos.  O artigo 1 desta Declaração –  “All human beings are born free, equal in rights and dignity” (Todos los seres humanos nascem livres e iguais em direitos e dignidade)-, bem como a carta  do Chefe Índio Seattle  inspiram o  8ª andamento desta Sinfonia.  A “Sinfonía dos Direitos Humanos” é uma obra de arte multimédia que combina o  trabalho  dos artistas y experts altamente  qualificados em  audio y vídeo 3D, como Dominik Rinhofer  e a  equipa do  Dr. Herbert Buchner. Conta com a coreógrafa Anett Simmen y Edward Scheuzger, dois artistas que representarão  o homem e a mulher no contexto da sociedade humana, declamando textos antifonais com dois coros de adultos e um de jovens. Além disso, o público está envolvido diretamente em certos momentos de representação, seja em partes cantadas, ou em partes faladas.

Coral de crianças antes da interpretação da “Sinfonia dos Direitos Humanos”, liderado por Andreas Hartmann-Schmidt (com percussão de Pedro Nascimento). Foto: María Zozaya.

 

O diretor da peça é o compositor Andreas Schmidt-Hartmann, que comanda os músicos, estudantes da “pele Hochschule Musik & Theater Leipzig”. A estreia da peça “Seattle” e “Martin Luther King” está prevista para fevereiro de 2018, com a Associação de Coros de Berlim, na Igreja de Santa Cruz, em Berlim.

O 8º andamento da Sinfonia dos Direitos Humanos  foi ensaiado e apresentado ao público no auditório do Colégio do Espirito Santo da universidade de Évora,  no âmbito das Férias Corais Jovens que decorreram entre 25 e 2 de Julho de 2017,  por 36 jovens entre os 6 e 17 anos e por elementos do Corué e o Coral Évora

Maestro Andreas Schmidt-Hartmann a dirigir uma de suas composições. Fonte Foto: página do diretor

 O Professor  Andreas Schmidt-Hartmann vive e trabalha em Leipzig e Berlim como diretor coral, compositor, pianista e “freelance” na área musical. Ele estudou composição no Conservatório de Música “Hanns Eisler” em Berlim. Desde 2001 dirige vários grupos e coros, o mais recente é o “Berliner Soulchor” e “Discochor” e em 2014 fundou o coro da groove “SphereGroove Choir” . Nos últimos 12 anos, lançou várias músicas de sua autoria, juntamente com o coro juvenil “Friedrichshainer-Spazen”, que já é conhecido por suas performances em direto ne televisão. Ele gravou três CDs com o coro juvenil “Die Feen-Chori”. Também executa composições e arranjos para vários coros e músicos, e é responsável por vários Worshops na Alemanha. As suas composições e gravações estão disponíveis em edições impressas (Funkturm Verlag, Peermusic, Schott). Desde 2016 que se dedica a compor a “Sinfonia dos Direitos Humanos” no âmbito das comemorações do septuagésimo aniversário da Declaração Universal dos Direitos Humanos.

Sequencia de fotos Na sala do Tribunal da Inquisição, Fundação Eugénio de Almeida (FEA), cuja encarregada cultural explica a exposição “Doris Criolla” a aos participantes das Férias Corais Jovens, organizadas pelo Corué. Foto: María Zozaya.

O “CORUÉ” é o coro da Universidade de Évora, criado em 1983 pelo Professor Manuel Ferreira Patrício. É composto por membros da universidade (estudantes, estagiários, professores ou funcionários), juntamente com residentes em Évora, desde outubro de 2014 que é dirigido pelo maestro Pedro Nascimento.

Corue com alunos das Férias Corais. Foto: Emilio Figueira.

De referir que durante a semana das férias corais jovens  foi efectuada uma visita guiada à exposição sensorial “Doris Criolla” na Fundação Eugénio de Almeida, bem como a visita ao antigo Palácio da Inquisição de Évora, actualmente  convertido num Fórum, um espaço vocacionado para a promoção de acções artísticas, com um foco especial na arte contemporânea, orientados para o compromisso social e por práticas sustentáveis, que aposta numa programação multidisciplinar, formativa e inclusiva  (fonte: http://www.fundacaoeugeniodealmeida.pt/)

Museo de San Francisco, órgano barroco. Évora. Foto: María Zozaya.

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Para consultar a versão original espanhola do texto, haga click aquí.

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Créditos:

Texto en Bold/negrita: María Zozaya

Texto sin negrita sobre las ferias musicales: CorUe, Andreas Schmidt-Hartmann.

Traducción de su texto al español: María Zozaya

Tradução**  e adaptação do texto em Português : Maria João Rasga

**Nota: O texto apresentado em Português surge como resposta ao desafio feito a Maria Zozaya na sua pagina de facebook. Baseado no texto apresentado no Blog de Maria Zozaya.

Fotos: créditos junto a cada foto

Orgão barroco da igreja de de São Francisco, Évora, Portugal. Foto: María Zozaya.

Deshacer la casa

Texto escrito por Rosa V. Gavira

Hay que deshacer la casa, de Sebastian Junyent, me ha producido una auténtica catarsis emocional que a día de hoy sigo procesando.

Dos hermanas se reencuentran después de una larga separación cuando sus padres mueren y han de repartir la herencia. La obra se centra en su relación y cómo ahora deben aprender a tratarse la una a la otra después de tantos años, sueños rotos y expectativas frustradas. Son dos mujeres estancadas en la infancia, incapacitadas para hacer ningún cambio real y maduro en sus vidas por la educación y el condicionamiento recibido.

Muerte en vida por sus bloqueos internos que las impiden crecer y volar.

La obra muestra con crudeza lo que hace el miedo a la libertad inculcado desde la cuna. Las llenaron de ideas y creencias que no eran propias y nunca se sintieron con la suficiente valentía y coraje como para retomar el timón de sus propias vidas.

Sebastian Junyent ha creado un texto magnifico, lleno de matices y de color, que con la acertada dirección de Pape Pérez y ese derroche interpretativo de dos actrices que se dejan la piel en las tablas, Imán Velasco y Charo Gabella, consiguen hacer vibrar cada butaca de la Sala Lola Membrives del teatro Lara. Todo lo que sentí anoche fue motivado por esas dos grandes actrices, que desde el principio de la obra me iban arrastrando de emoción a emoción. Hubo dos momentos que mis ojos se llenaron de lágrimas, segundos después me llevaron a una sonrisa e incluso a la risa, me conduían donde ellas junto al director querían. Se las veía con tanta verdad que todo te lo creías. Han conseguido crear verdaderamente -como dice el director- un “duelo de dos espléndidas actrices”.

Me ha entusiasmado cuando las actrices rompen la cuarta pared y bajan a la platea para compartir con los espectadores sus vivencias. Es precioso ver cómo, sobre todo las mujeres que se están identificando con cada una de las hermanas… !se ponen hablar espontáneamente con los personajes! Creo que, para aquellas personas que les gusta el teatro, han de ver esta obra deHay que deshacer la casa”, por el lujo de ver a estas dos espléndidas actrices hacer un duelo interpretativo. !Os la aconsejo fervorosamente!”

Texto de Rosa V. Gavira

(escritora, filóloga y psicóloga).

Edición para Teartres: María Zozaya

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“HAY QUE DESHACER LA CASA” es una obra de Sebastián Junyent.  Las actrices que lo representan son: Imán Velasco y Charo Gabella, bajo la dirección de: Pape Pérez

Representada en el Teatro Lara  (Sala Lola Membrives) de Madrid. Días: los martes a las 22,15 hasta el 18 de Julio

En la imagen: Pape Pérez (director) Imán Velasco (actriz) Carlos Junyvent (hermano del autor) y las actrices de la obra Charo Gabella e Imán Velasco.

 

Gatadans cumple 10 años. Danza en espacios no convencionales

Por Javier Mosquera de la Vega.
“Gatadans” es un festival de danza que tiene lugar en espacios que normalmente no son los esperados.

Cuenta con una larga trayectoria de actuaciones en el espacio urbano, cuyo objetivo es revalorizar el patrimonio arquitectónico y los lugares comunes de la ciudad, para fomentar el intercambio entre los habitantes con su entorno social.

El último evento ha tenido lugar en un ámbito singular que en los últimos años ha acogido encuentros artísticos especialmente originales (como el histórico Don Juan Tenorio interpretado por cien actores): el “Campo de la Cebada”, junto al tradicional mercado de abastos del céntrico barrio de la Latina, en Madrid.

Gatadans en el Campo de la Cebada. Foto:  “X Gatadns & SecretSundance”.
Este año se celebra el décimo Festival “Gatadans”

Dentro de su programación para celebrarlo, se realizarán espectáculos extraordinarios en espacios no convencionales, así como exposiciones de fotografía, workshops o muestras de vídeodanza. De esta forma, todas estas acciones continuarán alimentando el triángulo irrepetible de “Espacio-Danza-Ciudadanía”.

Foto: Gatadans. DerRonseKavalier.

El décimo aniversario comenzó el 12 de Mayo y continuará hasta el 16 de Noviembre de 2017 por toda la Comunidad de Madrid. Para esta edición tan especial del festival la “Asociación Primario”, entidad organizadora, promoverá la inclusión de iniciativas en los barrios de Lavapiés, La Latina, Carabanchel Alto, Arganzuela, Retiro y en los Ayuntamientos de Torres de la Alameda, San Fernando de Henares, Getafe y Guadarrama.

Gatadans en una plaza urbana de la Sierra. Foto: Asociación Primario.

Entra en colaboración con los proyectos de arte urbano: “SecretSundance”, “Miradas”, “Dans Off Proyect” y “El cuerpo aumentado” entre otros. Con el apoyo de la “Universidad Carlos III”, “Descalzinha Danza”, “El Campo de Cebada”, “Kike Keller”, “Se Alquila Proyecto”, “Hawork Studio”, “Cía. La Intrusa Danza”, “FIVER”, “FITEC”, “Biblioteca Pública Luis Rosales de Carabanchel” y el Grupo “PSICOARTAES” del Colegio Oficial de Psicólogos de Madrid.

 

Foto: Gatadans. Hawork Studio.

Visita toda la programación “X GATADANS” pinchando aquí

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Sugerencia de cita de esta entrada

Javier Mosquera de la Vega, “Gatadans cumple 10 años. Danza en espacios no convencionales”, Teartres, Teatro y Artes Contemporáneas, ISSN 2444-7374, 18-06-2017.

Música conectando a la Península Ibérica (S.XV-XXI): CorUÉ y el II encuentro Internacional de Coros

Por María Zozaya.

La música ha cubierto durante el siglo XIX y XX un papel esencial en la difusión de la cultura,

sea en su aspecto antropológico para el mantenimiento de los ritmos tradicionales, sea en el social, para la difusión de diversos mensajes, que pueden abarcar los sentientales, los festivos de celebración del ciclo agrícola, de nacionalización o de protesta política, entre otros (1).

Tales facetas musicales se han reflejado en el contexto ibérico en la ciudad de Évora, en el II encuentro internacional de Coros, acogido por el Coro de la Universidad de Évora (CorUé), que ha contribuido una vez más a la labor cultural de sacar a la luz referentes musicales históricos para el gran público melómano.
Información del II encuentro Internacional de Coros. Programa de mano por orden de aparición, repertorio elegido por CorUÉ.

Han unido en el escenario un repertorio histórico de música peninsular en toda su dimensión geográfica: 

Los coros “Adagio” de Portimão, “Santa Cecilia”, “Augusta Emérita” y CorUÉ han interpretado piezas representativas de etapas esenciales de la música de España y Portugal. En el repertorio se escogieron piezas populares de tradición oral, como  la jota extremeña de “La uva”, con su derivación en la muñeira gallega con “O vosso galo comadre”. Igualmente, representaron música del renacimiento sevillano y siglo de oro español (Juan Vázquez, Francisco Guerrero), o del Portugal de los dos reinos, cuando estaban juntas ambas coronas (cancionero de Palacio, cancionero de Elvas).
Información del II encuentro Internacional de Coros. Programa de mano por orden de aparición, repertorio de la Coral Augusta Emérita.
Asimismo, se interpretaron piezas de las antiguas colonias española y portuguesa, desde América Latina (son cubano, bolero, cantes de ida y vuelta como las habaneras), hasta el Mozambique africano (Erile), pasando por el amplio espacio de Brasil, representado por ya clásicos de la bossa nova (con Jobim o Vinicius de Moraes), hasta el mundo selvático (Cunhataiporâ), excelentemente interpretado por el coro “Adagio de Portimão”, cuyas notas destacaron particularmente en el evento.
Información del II encuentro Internacional de Coros. Programa de mano por orden de aparición, repertorio del Coro Adágio (Portimâo).
Tampoco faltaron autores representativos del espacio portugués peninsular, con representantes de Évora como Vitorino, o grandes símbolos de la canción protesta como Zeca Fonso con sus “Cantigas de Mayo”, de un disco censurado en su momento, símbolo también de la revolución de los claveles del 25 de abril, y elegido como uno de los mejores de la música portuguesa de todos los tiempos.

 

Información del II encuentro Internacional de Coros. Programa de mano por orden de aparición, repertorio de la Coral Santa Cecilia.
El II encuentro se ha celebrado en un espacio simbólico de la relevancia de la música para esta ciudad declarada patrimonio de la humanidad hace 30 años:

Fue en el Teatro Garcia de Resende, construido entre 1881 y 1890 en Évora gracias al impulso de los ciudadanos concentrados en varias asociaciones y al mecenazgo de dos burgueses emprendedores(2).

Presentación de los 4 coros para cantar “Signore de le Cime” en el Teatro García de Resende. Foto: Sheila Palomares

Es una más de las actvidades culturales de Corue dirigida por el Maestro Pedro Nascimento, quien dirigió a todos los grupos cantando “Signore de le Cime” (Guiseppe di Marzi), que fue dedicada a la coralista Solange Oliveira, quien reciemente dejó de acompañar nuestras melodías. El encuentro internacional de coros contó con Teresa Batista como  introductora de la ceremonia, y fue presentado por Jão Vítor Sousa Santos y por María Zozaya.

Referencias:

(1)  María Zozaya, “Ocio Liberado. El ocio en España durante el siglo XIX”, en: El descubrimiento del Ocio. Guipúzcoa, Diputación Foral: Museo Zumalacárregui, ISBN: 978-84-612-7684-H; pp. 33-65.

(2) Maria Zozaya, “¿Ocio amurallado? El paso de la sociabilidad local al mundo asociativo internacional. Dos casos comparados: Évora-Madrid, 1789-1929”, Bidebarrieta, 2014, 25. ISSN : 1137-4888.

Sugerencia de cita de esta crítica:

María Zozaya, “Música conectando a la Península Ibérica (S.XV-XXI): CorUé y el II encuentro Internacional de Coros”, TearTres, 2444-7374.

Heritales proyecta en la Casa Animal: cine en espacios patrimoniales

Por María Zozaya.
La Casa Animal o Musa Paradisíaca es una instalación contemporánea que se define como un monumento creado para llenar el espacio público.

Se trata de una construcción de hierro que reproduce un hórreo errante, que se transforma en un escenario cuyo  objetivo es albergar piezas de teatro, proyecciones de cine y cualquier idea performativa contemporánea. Es una casa nómada, que se va instalando cada ciertos meses en un nuevo lugar -asociado a una exposición-, donde se convierte en un escenario temporal para todo aquel que la construye en su rellano.

Proyección del festival de cine Heritales en la Casa Animal, Fórum Eugenio de Almeida (FEA/SHE), Évora. Fotografía: María Zozaya

Cuando los organizadores del festival internacional de cine y patrimonio Heritales vieron la casa Animal, consideraron que habían encontrado la horma de su zapato.  Tras verla inaugurada en la explanada del Fórum de la Fundação Eugénio de Almeida (FEA),  programaron proyectar cine en dicho recodo del antiguo palacio de la inquisición, actualmente reconvertido en espacio cultural. Precisamente,  uno de los objetivos de Heritales para abrir la academia hacia la ciudad es proyectar documentales en las paredes de sus muros, y más cuando los espacios tengan un significado civilizatorio, como actualmente dicho centro cultural.

Proyección del festival de cine Heritales en la Casa Animal, explanada del Fórum Eugenio de Almeida (FEA/SHE), Évora. Fotografía: María Zozaya

La edición de Heritales 2017 está dedicada a las comunidades sostenibles, y en este caso se proyectó la película de Pedro Serra “What a strange way of life”, documental sobre comunidades utópicas que buscan la felicidad más allá del dinero o los corsés del capitalismo, y que encuentran su objetivo de vida en los frutos traicionales de la sociedad occidental, basados en la comunidad, la confianza, el trabajo artesanal, y la dedicación cotidiana a la tierra.

Proyección del festival de cine Heritales en la Casa Animal (FEA/SHE), Évora. Fotografía: Joaquim Carrapato.

Respecto a la estructura, este monumento nace de la colaboración entre los artistas de Musa paradisiaca, Eduardo Guerra y Miguel Ferrão, junto al arquitecto Miguel Roxo, con el apoyo del ingeniero Vasco de Barros.

Proyección del festival de cine Heritales en la Musa Paradisíaca, explanada del Fórum Eugenio de Almeida (FEA/SHE), Évora. Fotografía: María Zozaya

Uno de los aciertos de esta arquitectura efímera trashumante Musa Paradisíaca es el hecho de situarse en un espacio abierto, lo que permite la entrada y salida de visitantes, curiosos temporales, turistas efímeros, o interesados en ver el documental completo.

Proyección del festival de cine Heritales en la Casa Animal, explanada del Fórum Eugenio de Almeida (FEA/SHE), Évora. Fotografía: María Zozaya

La propia estructura de la Casa Animal transforma el sentido último del documental, pues favorece las conversaciones entre los espectadores, el movimiento del público y el intercambio de ideas trasnacionales. En este caso aparecieron personas de Portugal y España como era de esperar en zona de frontera, que además fue enriquecido por la presencia de representantes de Polonia, Rusia o Japón.

Secuencia con el público itinerante de la proyección de Heritales en la Musa Paradisíaca (FEA/SHE), Évora.  Al fondo, el Palacio Vimioso que alberga el CIDEHUS-UÉ, sede de Heritales. Foto: María Zozaya.

El público internacional presente ha sido esencial, tanto por convertir esta obra de arte en una verdadera instalación como por favorecer un diálogo efímero más duradero sobre la importancia de buscar vías sustentables para anclar en valores seguros el barco de la contemporaneidad, que no debe regirse por los vientos inestables de las crisis arraigadas en valores poco sólidos o ilusorios.

Secuencias con el público itinerante de la proyección de Heritales en la Musa Paradisíaca. Foto: María Zozaya.

La proyección de Heritales en la Musa Paradisíaca ha sido posible gracias a la colaboración establecida con la Fundación Eugenio de Almeida y la Sociedade Harmonia Eborense, junto con este proyecto de mostrar el patrimonio a través del cine, que nace del CIDEHUS-Universidad de Évora, de Nicola Schiavottiello y María Zozaya.

Proyección de Pedro Serra en el festival de cine Heritales, en la Casa Animal (FEA/SHE), Évora. Fotografía: María Zozaya

Esta es la primera vez que el festival de cine Heritales, desde su edición en 2016, forma parte de una performance, por exponer en una instalación artística y porque al hacerlo ha transformado por completo el entorno social que la alberga.

Proyección del festival de cine Heritales en la Casa Animal (FEA/SHE), Évora. Fotografía: Joaquim Carrapato.

La sesión terminó con el cierre de la Fundación Eugenio de Almeida y también de la Casa Musa Paradisíaca. El festival de cine y patrimonio Heritales, que comenzó el mes de mayo en Monsanto junto al festival EarthFest´17, volverá  a proyectar en septiembre y octubre en Évora, Lisboa, Madrid e Italia. El momento cúlmen del festival serán los días 22, 23 y 2 de Septiembre en Évora, cuando contará con una veintena de realizadores, entre ellos el propio Pedro Serra, a quien agradecemos las facilidades para proyectar su documental antropológico sociológico, que ha contado con varios galardones internacionales.

Secuencia de cierre de la “Musa Paradisíaca” para la sesión de Heritales. Con Pedro Sarreirita, Guilherme Mira, y personal del Forum FEA. Foto: María Zozaya.

Heritales recalca sus agradecimientos especiales al público local e internacional, a Joaquim Carrapato, a Guilherme Mira, a Pedro de la Sociedade Harmonia Eborense, así como al personal del Fórum FEA (Fundação Eugenio de Almeida).

Igualmente, agradece a las entidades que apoyan el Festival:  La Cátedra UNESCO-UÉ y el «CIDEHUS-UID/ HIS/00057/2013»  «POCI-01-0145-FEDER-007702» ; la FCT, FACC, Refª. 440.02 . Proc: 17/1/227; La FEA; Cámaras Municipales de Évora, Beja y Redondo;  y todas las recogidas en la página oficial de Heritales.

La Casa Animal ha albergado otras exposiciones como los “Ensaios sobre a Origem das Espécies” por Magriço, y otras que incorporaremos en breve para celebrar la clausura de esta magnífica casa errante el 30 de junio.

Sugerencia de cita de esta entrada:

Maria Zozaya, “Heritales proyecta en la casa animal: cine en espacios patrimoniales”, Teartres, ISSN 2444-7475, 13-06-2017, https://teartres.wordpress.com/2017/06/13/heritales-proyecta-en-la-casa-animal/ 

El gallo guardián de Rimsky-Korsakov (1907-1909)

Por María Zozaya
El gallo es un animal de pelea. Con el suyo, Nikolai Rimsky-Korsakov ganó una guerra simbólica, pero sin dañar sus plumas.

Tomando como hilo conductor los sueños que parten de una fábula de Pushkin (1), Korsakov termina recreando la esencia popular oriental rusa (2), haciendo crítica al sistema zarista del 1900. Consiguió llamar a las cosas por su nombre, pero ayudado por una nebulosa simbólica que podía confundir discretamente algunos fines de su reprobación.  Ésta fue tan voraz que tardó dos años en estrenarse desde su composición en 1907, pese a lo cual consiguió pasar los límites de la censura (3), probablemente por su planteamiento ingenuo y casi pueril.

Sólo dos personajes son reales, el resto, todo espejismos.

La historia gira en torno a la palabra dada, que reclama indirectamente el derecho de la ley escrita,  haciéndose eco de la democracia que se asentaba en Europa desde el siglo XIX (y probablemente de las palabras igualitarias del padre masón de Korsakov (4).

Algunos de los elementos de la historia conducen a la muestra de las contradicciones del sistema político que criticaba. El propio zar se queja del peso de su corona, lamentando que cuando él pensaba dejar las armas, precisamente era atacado por sus vecinos y sus lógicas de frontera. Esto era una proyección que aludía a las repercusiones de la guerra de Rusia contra Japón (1904-1905), que resolvía en una crítica justificativa que se consuma en sus propias palabras “si uno mira las cosas de cerca, cada vez asustan más”, tal vez premonitorias del destino del régimen zarista.

En un contexto de crítica política clara, donde tampoco falta la apología hacia el padrecito de los siervos de la gleba (que tal vez le permitió pasar la censura), se mezclan varias representaciones simbólicas a través de los personajes principales. El gallo es el guardián, tanto de una tierra como probablemente de los sueños de la nación rusa a la altura del 1900, tierra que necesita despertar, como su zar Nicolás II.

El mago, quien regala el gallo al zar, es el primer soñador. Por un lado sólo quiere en recompensa el amor, porque la riqueza y el rango afirma que sólo crean enemigos. Podían ser alusiones al sueño liberal de la Europa Romántica, haciendo un alegato hacia la caída del Antiguo Régimen, con la que precisamente acaban el mago y su gallo.

En la trama es esencial el azar, pues en el camino del autócrata hacia la guerra se cruza una zarina caprichosa.

Esta busca hombres “que no sean simples sombras que se desvanezcan cuando  se de la vuelta”, y un concretamente uno “que ponga límites a su corazón”, que se traducen probablemente en el freno de las ansias de conquista. La zarina se encuentra con aquel hombre despótico a quien deja ensimismado con la espuma de su voz, y le espeta “Si estás enamorado, goza de cada instante de felicidad… te gusta mi canción?…” (“pues es un sueño” -podemos deducir-). Tras aquel encuentro, el zar pasa, de liderar guerras innecesarias desde su cama (miembras soñaba que el rey es quien gana la partida de ajedrez), a salir con un yelmo oxidado y sobre un caballo con ruedas con el que termina ganando batallas a reyes de copas, picas, tréboles y diamantes, como dice su progenitora irónicamente.

Vídeo: José Luis Téllez, conferencia sobre el Gallo de Oro, Teatro Real

En términos musicales, esta pieza magnífica que se representa en el Teatro Real de la Ópera de Madrid, es una de las grandes obras de este representante del grupo de los cinco.

Con ella, Korsakov consiguió casar el oriente ruso  con el gusto europeo de principios de siglo, y no en vano logró que pasase al repertorio de las principales salas. La puesta en escena y figurinos de Laurent Pelly es sencilla y espectacular al mismo tiempo , revelando la cantidad de efectos que se pueden conseguir con un simple raíl o una grúa elevadora polivalente. La iluminación de Joël Adam colorea el cuadro perfecto, heredero en apariencia del mundo kabuki al que probablemente quieren remitir de manera intencionada por aquella relación con oriente y concretamente con Japón de la época. El elenco consigue traer la magia que quiso comunicar Rimsky-Korsakov,  y concretamente destacan con luz propia Venera Gimadieva (zarina) y el timbre de Alexander Kravets (mago astrólogo), que además de Sara Blanch (gallo) y otros, consiguen generar un ambiente de cuento donde no se percibe lo que es real y lo imaginado, ni siquiera el final donde estos tres mencionados se revelan como lo único que ha existido sobre el escenario, eliminando a los zares de un plumazo simbólico.

 

Referencias:

(1) Basada en una novela popular rusa, El bosque viejo, que fue impresa en 1834 (en principio demostrado en 1933 que era de “La leyenda del astrólogo árabe”, de los Cuentos de la Alhambra de Washington Irving, ver nota 4) .  Aleksandr Pushkin, El Cuento del Gallo dorado , Gadir, 2008.

(2) Arnold C. Schonberg, Los grandes comopositores, Barcelona, Ma Non Troppo, 2007, p. 460.

(3) Nikolaj Rimskij-Korsakov, Mi vida y mi obra (1844-1906), Bruno del Amo, 1934, p. 267.

(4) José Luis Téllez, “Conferencia sobre el Gallo de Oro”, Teatro Real, Madrid.

Sugerencia de cita de esta crítica:

María Zozaya, “El gallo guardián de Rimsky-Korsakov”, Teartres, 2444-7374, 27-05-2017.

Gallo avisador (kazoo), Lisboa, colección particular. Foto: María Zozaya

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Música para defender los derechos humanos, con CorUÉ

La música se ha convertido en el último siglo en una de las mejores vías para llevar mensajes al gran público. El acto de cantar, cuando se hace en grupo, es otro de los grandes apoyos que promueven los valores de la comunidad.
En este caso, nos referimos a la comunidad que cree en los valores de los derechos humanos. La declaración de los derechos del hombre más disruptiva es probablemente la Déclaration des droits de l’homme et du citoyen  de 1789, de la Revolución Francesa

Mientras, en la Asamblea General de las Naciones Unidas consiguió salvar alguna de sus carencias mediante La Declaración Universal de los Derechos Humanos de 1948, cuyos principios aún permanecen vigentes, y encuentran en la voz humana una de las mejores vias para transmitirlos.

“Voz humana” órgano barroco de la Iglesia de San Francisco, Évora. Foto: María Zozaya.

Con el objetivo de apoyar la consistencia de dichos valores, y de encontrar respuestas para las opciones políticas vinculadas a este campo, el compositor Andreas Schmidt-Hartmann compuso una sinfonía a partir de 31 de sus artículos y 7 discursos famosos sobre los Derechos Humanos. De hecho, comienza por su base All human beings are born free, equal in rights and dignity (Todos los seres humanos nacen libres e iguales en derechos y dignidad).

Su “Sinfonía de los Derechos Humanos” es una obra de arte multimedia que combina el trabajo de los artistas y científicos más cualificados en audio y vídeo 3D, como Dominik Rinhofer y el equipo del Dr. Herbert Buchner. Cuenta con la coreógrafa Anett Simmen y Edward Scheuzger, dos artistas que representarán al hombre y a la mujer en el contexto de la sociedad humana, declamando textos antifonales con dos coros de adultos y uno de jóvenes. Asimismo, el público queda envuelto de manera directa en ciertos momentos de la representación, sea en partes cantadas, sea en partes habladas.

El coro de niños antes de la interpretación de la “Sinfonía de los Derechos Humanos”, dirigidos por Andreas Hartmann-Schmidt (con la percusión de Pedro Nascimento). Foto: María Zozaya.

El director de la obra es el propio compositor Andreas Schmidt-Hartmann, quien dirige a los músicos, alumnos de la “Hochschule fur Musik & Theater Leipzig”. El estreno de las piezas “Seattle” y “Martin Luther King” está prevista para febrero de 2018, con la Asociación de Coros de Berlín, en la Iglesia de Santa Cruz de Berlín.

Dicha sinfonía va a construirse en parte en las Ferias Corales Jóvenes, que es un encuentro para jóvenes de 6 a 25 años que tendrá lugar entre el 25 de junio a 2 de Julio de 2017. Las inscricpiones están abiertas, y hasta el 22 de junio tienen el 25% de descuento. Igualmente cuentan con bonos familiares (cuando se inscribe a varios hermanos) y con facilidades para alojar a los niños en Évora en esos días en sistemas de intercambio o alojamiento comunitario que permiten abaratar abismalmente la estancia y favorecer la convivencia. Pueden hacer sus inscripciones en línea,

 

El maestro Andreas Schmidt-Hartmann dirigiendo una de sus composiciones. Fuente de la foto: página del director (https://schmidt-hartmann.de/neue-musik/)

En cuanto al maestro Andreas Schmidt-Hartmann, vive y trabaja entre Leipzig y Berlín como director coral, compositor, pianista e “freelance” en el área musical. Estudió composición en el conservatorio de música “Hanns Eisler” de Berlín. Desde 2001 dirige diversas agrupaciones y coros, los más recientes son el “Berliner Soulchor” y el “Discochor”, y fundó en 2014 el coro de la esfera groove “SphereGroove Choir”. En los últimos 12 años ha estrenado varios musicales de su autoría, junto con el coro juvenil “Friedrichshainer-Spazen”, que ya es conocido por sus actuaciones televisivas en directo. Ha grabado tres CD´s con el coro juvenil “Die Chori-Feen”. También realiza composiciones y arreglos musicales para diversos coros y músicos, a la par que dirige varios workshops en Alemania. Sus composiciones están disponibles en grabaciones y ediciones impresas (Funkturm Verlag, Peermusic, Schott). Desde 2016 se dedica a componer la “Sinfonía de los Derechos Humanos”, cuya presentación está prevista para las conmemoraciones del setenta aniversario de la Declaración Universal de los Derechos Humanos.

Secuencia de fotos en la Antigua Sala del tribunal del inquisición (FEA), cuya encargada cultural explica la exposición “Doris Criolla”  a los participantes en la semana coral de Évora (CorUÉ). Foto: María Zozaya.

Respecto a “CORUÉ” es el coro de la Universidad de Évora, que fue creado en 1983 y lo componen miembros de dicha universidad (alumnos, becarios, profesores o funcionarios) junto con residentes en Évora. También se ha encargado en la semana coral de asegurarse que los jóvenes tuvieran actividades culturales, como la patrocinada por la Fundación Eugenio de Almeida, de la visita al antiguo palacio del tribunal de la Inquisición, hoy en día reconvertido en museo de Arte Contemporáneo donde se mantiene el objetivo de difundir mensajes de unión y creatividad a través de la cultura.

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Consulte aquí la versión portuguesa traducida por Corue y Maria João Rasga.

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Créditos de esta entrada:

Texto en Bold/negrita: María Zozaya

Texto sin negrita sobre las ferias musicales: CorUe, Andreas Schmidt-Hartmann.

Traducción de su texto al español: María Zozaya

Fotos: créditos al pie de cada cual.

Órgano barroco de la Iglesia de San Francisco, Évora, Portugal. Foto: María Zozaya.

Sugerencia de cita de esta crítica:

María Zozaya, “Música para defender los derechos humanos, con CorUÉ” TearTres, ISSN 2444-7475, 22-05-2017.

Un “Refugio” Kamikaze

Por María Zozaya

Miguel del Arco consigue comenzar una pieza teatral criticando la corrupción política sin que el público decaiga en el desánimo de la realidad.

Provoca que sólo quiera oir las siguientes palabras donde se esconden las contradicciones de una clase política que oculta sus engaños bajo el vocabulario de la democracia.

Dicho vocabulario supone una defensa para los intocables, y para sus detractores, el refugio de los males que atesora la civilización contemporánea. Mientras, su desconocimiento para los desprotegidos supone la huida, quienes eligen permanecer en silencio para olvidar los horrores de la humanidad. El frío de la mentira cotidiana encuentra su contraste en el desierto de los refugiados -se Siria, por alusiones-, sin tierra clara donde arraigar, limitados para desenvolverse en un mundo cuyas necesidades son regidas por el nepotismo y la corrupción, que paradójicamente amparan al exiliado de manera temporal.

Refugio” es la última pieza de Miguel del Arco (1) que representa la compañía Kamikaze en el Teatro Maria Guerrero, del Centro Dramático Nacional de España (2).

Es interpretada de manera magistral por Israel Elejalde, quien encarna un político frío cuyo desmoronamiento es estremecedor al mismo tiempo; por un Raúl Prieto que muestra al refugiado del mundo y de ningún lugar al mismo tiempo; por dos hijos rebeldes nacidos de las contradicciones de quienes crítican a la sociedad del bienestar (Macarena Sanz y Hugo de la Vega). Se trata de un elenco singular donde algunos se pierden en la desidia, como la antigua diva alcoholizada representada por Beatriz Arguello, o el papel de una madre que desiste de salvarla, Carmen Arévalo; mientras, María Morales representa con ímpetu a una muerta que intenta salvarse del hundimiento.  Sólo puede conseguir luchar contra estos males desde la crítica el equipo de la compañía “kamikaze“, que ya ha cosechado numerosos aciertos y triunfos, como la actualización de “El misántropo” de Moliére, o los actores en busca de autor en “la función por hacer“.

La escenografía del refugio es uno más de los aciertos. Un cubo hermético donde se encierra una familia perseguida por los paparazzis, cuando los escándalos de la corrupción pública se cuelan por las rendijas de sus ventanas en un asfixiante ataque sicológico. Recuerda al cuadrado claustrofóbico que usó Veronesse en Mujeres soñaron caballos, en donde la bombona de oxígeno parece a punto de estallar. En “Refugio” se ve acompañado de una serie de recursos técnicos e ilusorios que llevan al espectador a dos mundos, al del componente utópico y falso de la democracia, y al de la búsqueda de un refugio propio antes de intentar acabar con los males que nos destruyen.

Referencias:

(1) Miguel del Arco cuenta, entre otros, desde los conocidos premios Max por su magnífica “Veraneantes” hasta con el galardón del Premio Valle Inclán por su obra “Juicio a una Zorra“.

(2) El equipo artístico lo componen, en el texto y la dirección Miguel del Arco, la escenografía de Paco Azorín, la iluminación de Juan Gómez-Cornejo, el vestuario de Sandra Espinosa, la música de Arnau Vilà, la video creación de Miquel Ángel Raiò, y el diseñode sonido, que termina con un apotéosico “Lacrimosa”, de  Sandra Vicente. Actualmente tienen su sede principal en el antiguo Teatro Pavón.

Citar esta reseña:

María Zozaya, “Refugio Kamikaze”, TearTres, Teatro y Artes Contemporáneas, ISSN 2444-7374, 02-05-2017.

https://teartres.wordpress.com/2017/05/02/un-refugio-kamikaze/

 

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